Overlooked 2023: Die besten Alben des Jahres, die wir bisher nicht rezensiert haben

Wir wollen mehr hören – wir müssen mehr hören. Der Wunsch, so viel Musik wie möglich zu konsumieren, lastet immer auf unseren Schultern. Aber es ist eine Bürde, die wir gerne annehmen, denn eines der schönsten Gefühle der Welt ist es, wenn wir einige unserer Lieblingsplatten mit Gleichgesinnten teilen dürfen. Wenn wir ehrlich sind, passiert in unserem Leben einfach zu viel, als dass wir all die Musik, die wir lieben, richtig dokumentieren könnten, und als Folge davon verschwinden viele dieser weniger bekannten Wunder unter den Tischen. Denn zu jeder gehypten Veröffentlichung gibt es unzählige andere, die unsere Aufmerksamkeit verdienen und in den Hintergrund gedrängt werden, während wir die Angebote großer Labels und vermeintliche Lieblinge der Kritiker durchforsten.

Und so bringen wir jedes Jahr unser „Overlooked“-Feature heraus, um einige dieser Sünden anzusprechen, eine Art Sühne für all die Alben, die wir nicht offiziell rezensiert haben, mit denen wir aber stundenlang gesprochen haben. Dieses Jahr war besonders reich an Einflüssen von außen und weltbewegenden Vorfällen, was dazu führte, dass viele Veröffentlichungen, sowohl Mainstream- als auch Independent-Veröffentlichungen, in unseren Kolumnen nicht die gebührende Aufmerksamkeit oder den Platz erhielten, die sie verdienen.

Dieses Jahr haben wir über 50 Alben aufgenommen, die nur darauf warten, von Ihnen mit ihrer Eigenartigkeit, ihrer Schönheit und der Art und Weise, wie sie die Mauern um unsere Herzen in Schutt und Asche legen, angenommen zu werden. Von knallharten Metal-Kolossen und Hip-Hop-Exzentrikern bis hin zu atmosphärischen Ambient-Ausflügen und Minimal-Folk-Geschichtenerzählern beschränkt sich die Liste nicht auf ein bestimmtes Genre, sondern präsentiert stattdessen 2023 als ein Jahr, das von grenzenlosen kreativen Experimenten geprägt ist. Wir haben sie vielleicht noch nicht rezensiert, aber das sind definitiv einige der besten Alben des Jahres – und sie warten nur auf Sie. Also lehnen Sie sich zurück, scrollen Sie durch und streamen Sie los.

Hören Sie sich hier eine Spotify-Playlist unserer Lieblingstitel aus unseren Overlooked-Alben aus dem Jahr 2023 an.

[Interscope]

Amaarae sieht Musik nicht in Form von einschränkenden Etiketten oder Genres – der ghanaisch-amerikanische Künstler entdeckt das Bindegewebe zwischen verschiedenen Klängen und erforscht die Art und Weise, wie jede spezifische Musikgeschichte dazu dient, den Wünschen anderer zu dienen. Fountain Baby ist ein perfektes Beispiel dafür, wie sie diese forschende Ästhetik erfolgreich integriert und erweitert, denn ihr neuestes Album ist ein wunderschöner Wechsel rhythmischer Ideologien und zeigt ihr, wie sie sich durch eine kaleidoskopische Landschaft aus zitterndem R&B, hauchdünnem Pop und üppigem Hip-Hop arbeitet. Hop. Es ist ebenso großartig wie ätzend, handelt von vergifteten Widerhaken und bösartigen Takedowns und bietet gleichzeitig einen Einblick in die intensiven Verletzlichkeiten, die in den Herzen dieser Songs schlummern.

So sehr sie auch wahnsinnig einprägsame Prahlereien und pointierte Fuck-Yous anbietet, die Musik wird nie zu einem nachträglichen Gedanken an das, was sie sagt; Alles verdichtet sich zu einem emotionalen Wirbelsturm, der Sie überwältigen kann, wenn nicht Maßnahmen ergriffen werden, um seiner Wut zu entkommen. Die hier empfundene Freiheit ist unübertroffen; Es gibt keine Ecke, die sie nicht beleuchtet und keinen Impuls, dem sie nicht nachgibt. Sie entwickelt eine vollständige Beherrschung dieser labyrinthischen Melodiestränge und verwebt eine komplizierte und notwendige Perspektive grenzenloser Kreativität und grenzenloser Innovation. Fountain Baby ist ein byzantinisches Wunder, eine Sammlung tief empfundener Grübeleien über Liebe, Bedauern, Sex, persönliche Entscheidungsfreiheit und Wut – es ist eine scharfe Anklage gegen toxische Assoziationen und eine blasige Ode an die Notwendigkeit und Zerstörung emotionaler Verbindungen. – Joshua Pickard

[Verve]

In Love in Exile, dem neuen Album von, steckt ein Meer voller SchönheitAarooj Aftab,Vijay Iyer, UndShahzad Ismaily , ein Ambient-Jazz-Grollen, das von unentdeckten Gletscherspalten erzählt, die nur darauf warten, beleuchtet zu werden. Das Album ist eine Prozession langformatiger Stücke, die die individuellen Zuneigungen und Wünsche der Künstler zum Ausdruck bringen. Sie versucht nicht, ihre wilderen Impulse einzudämmen; Stattdessen umfasst es die offenen Räume, in denen jeder Musiker agiert. Aftabs Urdu-Beteuerungen überdecken Iyers locker verwobene Klavier- und Orgellinien und Ismailys akribische Bassschauer. Diese Zusammenarbeit behält die vergängliche und spirituelle Natur des „Vulture Prince“ von 2021 bei und erzählt von unheimlichen Erinnerungen, die durch elektroakustische Offenbarungen verbunden sind und tief in unser kollektives Unterbewusstsein eindringen, um die gemeinsamen Fäden unserer Erfahrungen zu lösen.

Die Musik ist so unkörperlich wie Rauch, zeigt aber eine beträchtliche emotionale Schwere, die sich in einer Sammlung hypnotischer Melodien und nicht kategorisierbarer Rhythmen zeigt. Hier gibt es Geheimnisse, große, unerkennbare Momente, die uns im Kreis führen und auf etwas Größeres hinweisen, etwas, das wir entdecken und in Einklang bringen müssen. Die Atmosphäre ist mit einer kryptischen Energie aufgeladen, die ihre Richtung bewusst auswählt, sich aber frei bewegen kann, ohne Rücksicht auf jemanden in Hörweite. Das Klavier, klar und gekonnt gewürzt, erinnert an die große Geschichte verschiedener klassischer Komponisten, während Stücke von Moog und gezupftem Bass die Fließfähigkeit einer Stimme untermauern, die so beunruhigend nah ist, dass es fast voyeuristisch wirkt, in ihrer Präsenz zu bleiben. Die Klänge sind schwer fassbar, aber dennoch voller Sehnsucht nach Kameradschaft, und in der widersprüchlichen Natur der Musik deuten Aftab, Iyer und Shahzad auf eine Komplexität hin, die durch die großen emotionalen Wunder in unserem Leben definiert wird. – Joshua Pickard

[Gebleichtes Grab]

Bailey Miller Das zweite Album „Love Is A Dying“ ist eine Sammlung intimer Aufnahmen, die Lo-Fi-Stile mit progressiven Folk-Wurzeln vermischen. Es ist perfekt für diejenigen, die mehr Musik wie Tiny Vipers auf der Welt wollen. Viele der Tracks wurden in der Reihenfolge ihrer Fertigstellung aufgenommen und sind One-Take-Aufnahmen, die die spontane Energie des Augenblicks einfangen. Bei langen Tracks wie „Glacier“, „Admirer“ und „Mirror“ liegt ein spürbares Gefühl melancholischer Elektrizität in der Luft. Das Album lebt jedoch davon: Manchmal fühlt es sich an, als würden wir Millers private Momente belauschen. „hunger“ mit seinen wirbelnden Klaviernoten und „cul-de-sac“ mit seiner elektrischen Baritongitarre und dem gespenstisch hallenden Gesang wirken wie Eingriffe in den persönlichen Raum. Während jeder Titel auf dem letzten aufbaut (gelegentlich auf das Vorhergehende verweisend), entfaltet sich eine Geschichte und die Trauer vertieft sich. Über das Zwitschern der Vögel dringt die Außenwelt in Millers einsame Stimme auf „Goldfinch“ ein und umgibt sie, während sie fragt: „Was passiert, wenn deine Träume tot sind?“ / Werden sie stattdessen anderswo wieder auferstehen?“ Das Album bietet vielleicht keine Antwort (der letzte Titel bewegt sich mit seinem beruhigenden Crescendo in pessimistisches Terrain), aber im Laufe der Zeit scheint Miller entschlossen zu sein, durch Liebe, Angst, Bedauern und die kleinen Freuden nach einer Antwort zu suchen die mit dem Alltag einhergehen. – Ray Finlayson

[Tiefgründige Überlieferung]

Glockenhexe spezialisieren Sie sich auf einen irdenen Schlamm, das Geräusch alter Maschinen, die zum Leben erwachen und alles verschlingen, was sich ihnen in den Weg stellt. Sie waren schon immer ehrgeizig bei der Konstruktion dieses kolossalen Donners, aber in Future's Shadow Part 1: The Clandestine Gate wird ihr Wunsch nach geschwärzter Theatralik auf die Spitze getrieben. Das Album besteht aus einem einzigen 80-minütigen Titel und zeugt von ihrer Liebe zu offenem Maximalismus und metallischer Zurückhaltung, da der Titel mühelos zwischen kaum vorhandener Instrumentierung und düsterer perkussiver Vernichtung wechselt. Der Song ähnelt in seiner Fähigkeit, sich in Mini-Suiten zu segmentieren, fast Prog-mäßig und ist ein Wunder der Kontrolle und Entspannung, eine sorgfältig ausgearbeitete Sammlung von Post-Metal-Gedanken und dröhnenden Wiederholungen, die die Tiefen offenbaren, die es in dieser verbrannten Erde des Aufblühens noch zu erkunden gilt Chaos und intensive Selbstbeobachtung.

Dafür gibt es einen Präzedenzfall, da die Band bereits 2017 mit „Mirror Reaper“ einen weiteren 80-minütigen Titel veröffentlicht hatte. Aber während dieses Lied/Album von endloser Angst und Verzweiflung über den Tod des Bandmitbegründers und Schlagzeugers Adrian Guerra handelte, wirkt ihr neuestes Album triumphierend und entschlossen in seinem Bestreben, neue Wege der musikalischen Revolution zu entdecken. Nur wenige Bands sind in der Lage, diese Art von Tonverschiebungen und melodischen Neukonfigurationen zu bewältigen, aber Bell Witch leben davon, Konventionen auf den Kopf zu stellen – und Future's Shadow Part 1: The Clandestine Gate ist ein Denkmal dafür, wie Lautstärke und melodische Variation miteinander verflochten werden können, ohne die emotionale Relevanz aufzugeben. Es ist riesig und manchmal überwältigend, verliert aber nie seinen eigenen Zweck als totemistische Ode an das Leben und die individuelle Erfahrung aus den Augen. – Joshua Pickard

[Transgressiv]

Die Episode ist durch und durch Katharsis.Ben Gregory Das Debüt-Soloalbum von „The Soul“ befasst sich direkt mit der psychischen Gesundheit und das mit einer so unerschütterlichen Herangehensweise, dass es unmöglich ist, sich nicht mit den Details auseinanderzusetzen, die seiner Entstehung vorausgingen. Die Episode wurde im Anschluss an die Auflösung seiner Band Blaenavon und nach einer Behandlung in psychiatrischen Krankenhäusern geschrieben und beschäftigt sich mit der Instabilität, die dieser Abschnitt seines Lebens mit sich brachte. „Blue Sea Blue“ ist ein mehr als 10-minütiges Epos, das jede Menge faszinierende Details bietet, von schmatzendem elektronischem Pomp über landschaftlich evozierende Gitarrenpassagen bis hin zum entscheidenden Gesangseinstieg von „Sometimes I Think I was Born Just to Have A.“ Tochter."

Gregory arbeitet mit einem für ihn neuen Umfang und Maßstab und verlässt hier seine Komfortzone, und das Endergebnis ist schwindelerregend und faszinierend. „Deathbed Hangover“ besteht ausschließlich aus glitzernden Synthesizern, mit klappernder Percussion wie bei einer Waschmaschine, drahtigen Gitarrenbreaks und automatisch abgestimmten und bearbeiteten Vocals; Es ist ein schillernder Schritt nach außen, der sich im Laufe seiner siebenminütigen Laufzeit weiterentwickelt und verändert. An anderer Stelle erinnert „((fall away 'til morn..))“ an Bon Iver am Klavier, während „manifest*“ und „god bless you“ einer hoffnungsvollen Zukunft entgegenblicken. Katharsis gibt es in vielen Formen, wie die Episode zeigt, aber jede Form, die sie annimmt, ist für Gregory unbestreitbar von unschätzbarem Wert. – Ray Finlayson

[New Deal / Verve]

Im letzten Jahrzehnt,Blake Mills hat sich zu einem sehr gefragten Musiker und Komponisten für Größen wie Perfume Genius, Laura Marling, Jack Johnson, Feist, Stephen Malkmus entwickelt … die Liste ist praktisch endlos. Dies zeigt seine Vielseitigkeit und anpassungsfähige Art seines Spiels – aber erst in seiner eigenen Arbeit kann er seinen einzigartigen Stil zum Ausdruck bringen.

Allerdings ist er mit seinem neuen Album „Jelly Road“ nicht ganz allein; Zu ihm gesellt sich der Jazzmusiker Chris Weisman. Die beiden hatten eine Bindung geknüpft, als sie die Songs für die TV-Adaption von „Daisy Jones and the Six“ komponierten, die bei der Aufnahme dieses Albums Bestand hatte – und aufblühte. Weit entfernt von der strengen Vorgabe, die ihnen für die Soundtrack-Arbeit gegeben wurde, sieht man in „Jelly Road“, wie sie in alle möglichen Richtungen abwandern und ihren Launen in traumhafte Klangschichten folgen.

Ja, wenn wir es reduzieren würden, würden wir es ein Indie-/Folk-Album nennen, aber es gibt so viele Texturen, Texte und Produktionsoptionen, die Jelly Road hervorheben. Mills' wohlklingende Stimme und sein sanftes Spiel wiegen Sie auf natürliche Weise in einen Dunst, und die einschläfernde Natur der Lieder versetzt Sie in einen Raum, in dem Sie mit lebendiger Klarheit durch seine seltsamen, märchenhaften Überlegungen schweben. Ob es darum geht, auf dem spärlichen Wüstenfelsen von „Breakthrough Moon“ eine widerhallende Ebene zu durchqueren, bei dem herrlich ernsten „Unsingable“ über die Natur der Musik nachzudenken, bei „Skeleton Is Walking“ mit Wärme die Vorzeichen zu beobachten, die sich entfalten, oder einen Spaziergang entlang der parabelartigen „ „Jelly Road“, aus jedem Teil dieser Platte strömt eine grenzenlose Fantasie. – Rob Hakimian

[Obersten Regal]

Es scheint, dass unsere Realität nur die kollektiven Träume der Band aus Albany, NY sindBruiser und Fahrrad , eine Gruppe von Musikern, die unter dem Deckmantel des Freak-Folk agieren, deren Werk aber auch ausgedehnte Prog-Rock-Abwege und Wellen mutierter Art-Pop-Glückseligkeit beinhaltet. Auf ihrem neuesten Album „Holy Red Wagon“ sind Anklänge an Bands wie Akron/Family und Squid zu hören, aber diese vertrauten kreativen Prüfsteine ​​werden nicht nur verwendet, um auf dem bewährten guten Willen ihrer Einflüsse zurückzugreifen. Dieses Album ist die Art und Weise der Band, sie auseinanderzunehmen und zu etwas Zusammenhängendem, Schwindelerregendem und mehr als ein wenig desorientierendem zu formen. Hier gibt es keine Konstanten, keine Genres, auf die man sich verlassen kann, sondern nur eine Reihe sich ständig verändernder Perspektiven, die nur durch den Widerstand der Musik gegen routinemäßige Klassifizierung gebunden und ermutigt werden, biedere Einschätzungen emotionaler Assoziationen abzulehnen.

Im Grunde wissen Bruiser und Bicycle genau, was sie tun, und wir sind einfach dabei. Songs wie „Lunette Fields Speak“ und „Aerial Shipyards“ entwickeln und behalten eine beträchtliche Dynamik, selbst wenn sie länger als sieben Minuten dauern. Seltsame perkussive Schläge und Schauer grollen neben einem psychedelischen Pop-Schillern – es ist, als würde man eine Muschel vom Strand aufheben, sie neben das Ohr legen und etwas hören, als würde Brian Wilson Animal Collective durch eine Reihe von Coverversionen der Incredible String Band führen. Je tiefer Sie in die Umarmung von Holy Red Wagon fallen, desto überwältigender wird das Gefühl, in Träumen in Träumen verloren zu sein. Schließlich wird das Album zu einem surrealen Dialog zwischen der Band und ihrem Publikum, einer Diskussion, die sich durch Jahrzehnte experimenteller Pop- und Volksmusik und die immer größer werdenden rhythmischen Wellen, die aus diesen Gesprächen entstehen, immer weiter zieht. – Joshua Pickard

[Smalltown Supersound]

Carmen Bösewicht Die Arbeit an Soundtracks schien ein unvermeidlicher nächster Schritt in ihrer Karriere zu sein. Ihre bezaubernde Atmosphäre, die sie auf „Only Love From Now On“ zum Ausdruck bringt, war von einem Gefühl der Bewegung geprägt und ließ die Tracks sich in neue Räume entfalten, anstatt sie an Ort und Stelle verweilen zu lassen. Musik aus dem Living Monument ist also merkwürdig: Auszüge aus einer Partitur für eine 2,5-stündige Aufführung von Carte Blanche, der norwegischen Nationalkompanie für zeitgenössischen Tanz. Die fünf Stücke hier reduzieren Villains Musik auf ein paar Schichten hypnogischer Untermalung, die verlangsamte Bewegungen begleiten sollen . „Gold“ ist wie schwere Luft in einem Raum, in dem ein Gewitter auszubrechen droht. Es gibt Bewegung, aber sie ist viel subtiler und friedlicher und erfordert mehr Konzentration als Villains frühere Werke; Das fühlt sich eher wie Musik an, zu der man abdriften kann, selbst wenn man sich darauf konzentriert.

Trotzdem ist es ein schönes Ambiente. Wenn sie bei „Multicolour“ die Akkorde wechselt, fühlt es sich an, als würde sich eine Tür in deinem Kopf öffnen, während „Violet“ wie das Summen einer Kathedrale während einer Beschwörung klingt. Das neunminütige „Silver“ führt himmlische Flüsterstimmen nach einem perkussiven Track ein, der an ein Kanu erinnert, das mit dem Plätschern der Wellen gegen einen Pier stößt. Viele dieser Titel stammen auch aus längeren Stücken, und wenn man ganz in die Musik eintaucht, hinterlässt das Album eine gewisse Sehnsucht; Es wäre faszinierend und fesselnd gewesen, die kompletten Titel anzusehen, aber wie jede gute Ambient-Musik macht Living Monument Lust, länger in seiner Klangwelt zu verweilen. – Ray Finlayson

[52Hz]

Colin Stetson Er trägt ein Biest um seine Schultern, ein riesiges Saxophon, das ihn jedes Mal zu verschlingen droht, wenn er spielt – ihn und jeden in seiner Reichweite mit seinen sonoren Tönen. Seine technische Präzision und seine Fähigkeit, das Instrument scheinbar auf den Kopf zu stellen, sind Wunder, aber es ist die Art und Weise, wie er der Blechkonstruktion fesselnde emotionale Katharsis entlockt, die einen atemlos, desorientiert und hungrig nach mehr zurücklässt. Sein neuestes Album „When We Were That What Wept for the Sea“ nutzt weiterhin seine einzigartigen Stärken und entwickelt eine quasi spontane und äußerst schmerzliche Auseinandersetzung mit familiären Verlusten und der Art und Weise, wie wir Trauer verarbeiten. Das Album dient ihm als Mittel zur Suche nach Antworten, wie er mit dem plötzlichen Tod seines Vaters zurechtkommt, und durch diese drängenden und verworrenen Rhythmen sucht er nach einem Balsam für den Schmerz in seinem Herzen.

In seiner Entschlossenheit unterstützt von der Sängerin Iarla Ó Lionáird, dem Gitarristen Toby Summerfield und mit Brighde Chaimbeul an den schottischen Smallpipes und Matt Combs, der die Streicharrangements übernimmt, verschafft Stetson persönliche Offenbarung durch Saxofonlinien, die so dicht sind, dass sie die Realität um uns herum verzerren, mit dröhnendem Grollen, das zerreißt am Gefüge unserer Wahrnehmungen. „Long Before the Sky would open“ besitzt ein Timbre von gigantischer Größe, eine dröhnende Schönheit, die alle anderen Sinne zumindest vorübergehend in den Schatten stellt. „Behind the Sky“ ist ein lautes und abweichendes Stück Jazzlärm, ein donnerndes Dröhnen, das den Horizont mit Wellen statischer Wellen erfüllt, einer Ansammlung mechanischer Impulse, die aufgrund einer unsichtbaren Gezeitenkraft auf- und abschwellen. Das Album ist turbulent, aber nicht ohne Hoffnung, dissonant und doch willkommen in seiner tektonischen Umarmung – eine Vision von Erinnerung, Schmerz und Beharrlichkeit, wie nur er es sich vorstellen konnte. – Joshua Pickard

[K / Staude]

Nach allgemeiner Meinung handelt es sich bei der Musik auf „Great Big Open Sky“ um Trip-Hop, und obwohl sie zweifellos die Merkmale dieses Genres trägt, ist es etwas unfair, sie ausschließlich diesem Label zuzuordnen.Gänseblümchenbewegen sich auch in einem Reich aus Synthesizern und Dream-Pop mit einem Hauch von eisigem Ambient.

Der federleichte, verletzte Gesang der Sängerin Valerie Warren verankert ihren schwankenden, sogar schwankenden Sound, der Welten von dem Americana entfernt ist, das das Artwork des Albums vermuten lässt. „We Don't Need Money“ ist ein sofortiger Höhepunkt, eine fragile Mischung aus Romantik und Pessimismus, die eine seltsame, nachvollziehbare Mischung ergibt. Das Album ist so etwas wie ein Paradoxon: warm und doch distanziert, unmittelbar und doch geduldig. Vor allem ist es eine Erfahrung, mit der man Zeit verbringen kann. – Chase McMullen

[Aguirre]

Während er seit 2015 sanft schöne Ambient-Musik kreiert,H. Takahashi hat mit „Low Power“ aus dem Jahr 2018 wohl neue Höhen erreicht (und sicherlich ein breiteres Publikum gewonnen). Getreu seinem Titel und dem beeindruckenden Kunstwerk führte ihn die Gehirnaufzeichnung in eine neue Welt: die Erkundung der Erschöpfung (sowohl geistiger, körperlicher als auch existenzieller Art) unserer modernen Welt.

Durch die Verbindung mit einem belgischen KünstlerDavid Edren , strebt der ruhelose japanische Architekt erneut neue Wege an. Die Musik von Flow ist ruhig und sogar würdevoll, voller Mitgefühl und Bewegung und vereint ihre titelgebende Inspiration mit natürlicher Anmut. Es ist weit entfernt von reiner Hintergrundmusik, voller Leben und subtiler Ekstase. Einfacher ausgedrückt ist es ein Anwärter auf meine bisherige Lieblings-Ambient-Veröffentlichung im Jahr 2023. – Chase McMullen

[FPE]

Der Saxophonist, Komponist und Ethnomusikologe DA Mekonnen setzt die als Teil der Debo Band geschaffene Arbeit fort und nutzt auf ihrem selbstbetitelten Debütalbum einen allumfassenden AnsatzDrachenkind . Das Album ist eine lebendige und umfassende Erkundung des äthiopischen Jazz, der Atmosphäre und des offenen Raums; In mancher Hinsicht handelt es sich eher um eine Ethnographie als um ein Album, das Feldaufnahmen einbezieht, um ein Gefühl für den Ort zu erzeugen. (Die Schallplatte des Albums enthält auf der Rückseite der Musik eine eingravierte topografische Karte der östlichen äthiopischen Lavafelder.)

Mal lebhaft und mal beruhigend und ruhig, erkundet das Album problemlos verschiedene Konturen. Über 20 Minuten hinweg bildet der letzte Titel „Meditation (Ancestor)“ einen fesselnden Drone aus der Erkundung des Free Jazz, während Mekonnen auf „Above All“ sein Saxofonspiel auf eine hypnotisierende Astralebene entführt. Auch eine Vielzahl von Gästen hilft: Sunken Cages (alias Ravish Momin) verleiht „The Source“ eine nervöse elektronische Energie, während Claire Rousay der 14-minütigen mantrischen Atmosphäre von „Meditation (Reprise)“ strukturelle Wärme verleiht. Lebendig und detailliert: Dragonchild ist eine Reihe von Landschaften, die es zu erkunden gilt. Die Musik lädt Sie dazu ein, entweder still zu sitzen, sich der Tanzparty anzuschließen oder in Ihrem eigenen Tempo ein- und auszuwandern. – Ray Finlayson

[Vanillehimmel]

Der Kurve einen Schritt voraus sein,Eleni Drake lag bereits vor Beginn der Saison in der Trauer nach dem Sommer. „Surf The Sun“ von Drake erscheint im Mai und ist von sonniger Melancholie, glückseliger Stimmung und müden Augen umgeben, die es satt haben, hinter einer Sonnenbrille zu leben. Drake erinnert an Größen wie Faye Webster und Lana Del Ray und erinnert vielleicht an einen vertrauten Stil, aber ihr Talent, die richtige Atmosphäre zu schaffen, ist genau richtig.

„Rookie“, allesamt Gitarrenlicks bei Mittagssonne und vielschichtige Stimmen, ist glückselige Magie, während „Strawberry Moon“ die kontrastierende, kühlere, nächtliche Verträumtheit ist. Der Einfluss von Billie Eilish ist bei „Buzz Cut“ verschwommen, aber es ist immer noch ein schöner Moment der Ermutigung („Aber was du nicht bemerkt hast, Baby / ist, dass es dir in letzter Zeit besser geht“); Es ist ein Thema, das selbst zwischen den niedergeschlageneren Momenten von Surf The Sun existiert. Manchmal strahlt es vielleicht eine träge Traurigkeit aus, aber schon bevor der belebende Höhepunkt im vorletzten Titel „Shades of You“ eintritt, hat es eine beruhigende Stimmung zu bieten. Ein Arm um einen deprimierten Freund, Gesellschaft in einer schlechten Zeit im Jahr oder einfach jemand, der Sie daran erinnert, dass das Leben nach der sommerlichen Traurigkeit weitergeht: Surf The Sun ist all das, ein zuverlässiger Verbündeter, den Sie an Ihrer Seite haben, wenn die Sonne beginnt Einstellung früher am Abend. – Ray Finlayson

[Schwarzer Trüffel]

Ich gehöre zu den wenigen stolzen Musikern, die seit den späten 90ern kontinuierlich danach streben, das, was mit einer Gitarre möglich ist, wirklich voranzutreiben.Giuseppe Ielasiist im Laufe seiner Karriere immer weiter in die Abstraktion vorgedrungen.

Für sein erstes Album auf Black Truffle geht er diesen Weg noch tiefer, experimentiert und fragmentiert seine E-Gitarre bis zu dem Punkt, dass sie oft nicht mehr wiederzuerkennen ist. Es bewegt sich zwischen Ambient und etwas Außerirdischerem, besitzt eine zutiefst nostalgische, ja sogar traurige Energie, greift ewig nach verblassten Erinnerungen und ist heimgesucht. Wie fast alles im Katalog von Black Truffle ist es geheimnisvoll, bewegend, völlig einzigartig und zutiefst persönlich. – Chase McMullen

[Fuzz Club]

Was würde passieren, wenn Nick Cave beschließen würde, sich voll und ganz den lauteren Post-Punk-Impulsen hinzugeben, die seine Arbeit in der Vergangenheit geprägt haben, und ein Album voller saurer Gitarren-Freak-Outs und dichter Shoegaze-Theatralik zu schaffen? Es klingt vielleicht sehr nach der Debütveröffentlichung vonGoldene Stunden , ein selbstbetitelter Frankenstein, zusammengestellt aus einer gemeinsamen Sammlung düster-hypnotischer Rock'n'Roll-Geschichten und geprägt von einer besonderen Vorliebe für kosmische Psychedelia. Mit ehemaligen und gegenwärtigen Mitgliedern/musikalischen Mitverschwörern von Gang of Four, The Brian Jonestown Massacre, Tricky, The Fuzztones und The Third Sound greift die Band auf ein riesiges Reservoir an Erfahrungen und Ästhetiken zurück, wobei Multiinstrumentalist Wim Janssens sie beschreibt klingen als „schöne Reibung“ und offenbaren, dass „jede Idee ausprobiert und zu einem Song weiterentwickelt oder sofort übersprungen wird“.

Von der durchdringenden Punk-Zackung des Openers „Come and Find Me“ bis zur verschwommenen Shoegaze-Verwüstung von „Dead On“ gibt das Album nie nach in seiner Obsession mit bestimmten Anziehungskräften und den seltsamen Dingen, die sich in ihren Umlaufbahnen sammeln. Die Post-Punk-Elektrizität von „Run Man Run“ darf frei rasen, während die Lokomotivbewegungen von „Not Enough“ das Bedürfnis der Musik nach Veränderung zum Ausdruck bringen; Unterdessen erinnert „Keep on Dreamin'“ an die trüben Enthüllungen aus „The Jesus and Mary Chain“ aus der Darklands-Ära. Dieses Album ist ein Geschenk an alle, die von My Bloody Valentine oder Echo & the Bunnymen besessen sind, ein verwittertes und abgenutztes Zeugnis der Kraft dieser Klänge und dieser Musiker, die unsere Erwartungen an sie auf den Kopf stellen wollen. Das Album ist gelegentlich maßvoll und oft chaotisch und macht deutlich, wie wichtig es ist, zurückzublicken, um besser zu verstehen, wo wir jetzt sind. – Joshua Pickard

[Epos]

WährendICECOLDBISHOP Einen Moment lang hat er die Köpfe geschwätzt – vor allem dank eines atemberaubenden Auftritts bei „Super Tecmo Bo“ von Boldy James & The Alchemist –, aber irgendwie ist sein Debütalbum etwas unter dem Radar geflogen. Verdammt, relativer Kritikerlob, das verdient es, das Hip-Hop-Album zu sein, über das du diesen Sommer mit deinen Freunden im Hinterhof sprichst.

Auch wenn die Einflüsse offensichtlich sind (das wäre Kendrick Lamar, Leute), schaffen es GENERATIONAL CURSE dennoch, eine ganz eigene Welt zu erschaffen. Es ist ein düsteres, brutales Stück, aber eines, bei dem man vorsichtig sein muss. Voller eisiger Produktion und einer eisigeren Weltanschauung ist es ein erschütterndes Erlebnis, das gelegentliche Zuhörer sicherlich alarmieren wird, aber in einer Zeit, in der Hip-Hop weitgehend auf Sicherheit angewiesen ist Pop-Wetten (siehe Drakes Karriere nach „Reading This“) oder leere, überfüllte Epen (siehe „Utopia“), es gibt mehr als viel zu sagen für ein Album, das so bereit ist, Knöpfe zu drücken und alles auf dem blutbefleckten Boden liegen zu lassen. Lassen Sie es mich klarer sagen: Dies ist möglicherweise das umfassendste, selbstbewussteste und fokussierteste Hip-Hop-Debütalbum, seit der Typ, von dem ich sagte, es beeinflusst hat. Wenn das nicht genug für ICECOLDBISHOP aussagt, weiß ich nicht, was es sein wird. – Chase McMullen

[Feuer]

Athen, Georgiens Antwort auf die zitternden Glocken Großbritanniens,Immaterieller Besitz sind perfekt, wenn Ihre Stimmung theatralische Avant-Volksmusik mit einem Hauch mittelalterlicher Schnörkel ist. Das zweite Album der Band, Mercy Of The Crane Folk, nutzt eine Vielzahl von Instrumenten. Cembalo und Flöten verleihen „Medieval Jig“ eine gotische Verträumtheit, knarrende Holzbläser prägen den Eröffnungstrack „Chain Breaker“ und Gastschlagzeuger Jon Vogt bringt lebendige perkussive Schichten in „Birth of Queen Croaker“, die ihm eine fantastische Note verleihen. Der unheimliche Abgrund von „Siren's Tunnel“ – wo Madeline Polites die titelgebende Zauberin ist und Sie tiefer in die Dunkelheit lockt – ist ein Beweis für das instrumentale Können der Band, die Stränge nahöstlichen Einflusses mit traditionellem Folk, Klassik und Psychedelia verbindet. „Mercy Of The Crane Folk“ ist nicht jedermanns Sache, aber diejenigen, die es sind, werden sich wahrscheinlich sofort damit identifizieren und es genießen, all seine schmuddeligen Ecken, höhlenartigen Räume und gelegentlich prunkvollen Dekorationen zu erkunden. – Ray Finlayson

[Raumschiff / ‎Kakao / ‎Columbia]

Da ich eher ein ehemaliger K-Pop-Fan bin – ich schätze NewJeans genauso sehr wie alle anderen, aber am Ende habe ich mich vor allem bei altgedienten Favoriten gemeldet –, brauchte es andere aktuelle Girlgroups, um mich wieder in den Kreis der Fans zu holen.ICH HABEist sicherlich einer von ihnen (wir werden später in dieser Liste über den anderen sprechen).

Im Allgemeinen handeln sie mit einer ausgesprochen ausgereiften K-Pop-Marke, was selbst den Kritikern des Genres durchaus gefallen könnte. Der Opener „Blue Blood“ strotzt nur so vor einem fast kraftvollen Refrain, der einen mit klappernden Drums und Gesang, der einen völlig umhüllt, in seinen Bann zieht. Wie es der beste K-Pop zu tun pflegt, vermischt er Genres mit dreister, charmanter Missachtung (sehen Sie sich die wirklich seltsame, süchtig machende Mischung aus G-Funk-Keyboards und Glitch-Pop an, die „Hypnosis“ ist). Natürlich finden sie Zeit für den klassischen K-Pop-Knaller, wobei der Beat und die Hookline von „Kitsch“ sicher tagelang im Gedächtnis bleiben. So wichtig das Genre dieses Jahr auch war. – Chase McMullen

[FRÜH]

Wer wusste dasPeggyUndDanny Brown würde sich dafür einsetzen, Hip-Hop im Jahr 2023 zu retten? Ich spreche etwas übertrieben – es gab dieses Jahr viele tolle Rap-Platten –, aber ich war völlig unvorbereitet darauf, wie absolut notwendig sich „Scaring the Hoes“ anfühlt oder wie zusammenhängend es wirkt. Man hört es sich nicht nur an; Du fällst rücksichtslos in seine verrückten, bizarren Realitäten. Im Nachhinein gibt es kaum eine Kombination, die sinnvoller ist als die des teuflisch kreativen Danny Brown und des Masterminds hinter den ausgefallenen Hip-Hop-Atmosphären von JPEGMAFIA. Peggys Beats werden in Streifen geschnitten, dicht aggregiert und in der feuchten Sommerhitze zersetzt, während Brown mit einer Stimme gackert und stolziert, die sich jeder Erklärung entzieht, einem wirklich unverwechselbaren Heulen, das in den ausgefallenen Schwingungen der Musik seine Begleitung findet. Das Album ist schlank, frei von Füllmaterial und zwingt dazu, zu überdenken, was das Genre hervorbringen kann.

Das Album schwankt zwischen ziemlich minimalistischen Beats, die klappern und zusammenbrechen, und solchen, die so dicht wie ein implodierender Stern wirken, und bevorzugt keinen der beiden Künstler, sondern schwelgt lieber im Gleichgewicht ihrer verflochtenen Inspirationen. „Steppa Pig“ ist ein militantes Sperrfeuer aus korrodierten Rhythmen und rauen Beats, während „HOE (Heaven on Earth)“ eine Collage aus karnevalesken Hip-Hop-Anomalien und Gospel-Machenschaften ist. Während sich andere Künstler auf ein oder zwei interessante Sounds konzentrieren und einen an die Demo angrenzenden Entwurf erstellen, geben Peggy und Danny Vollgas und erschaffen ein Album, das in seiner Eigenartigkeit und den schnellen Veränderungen von einem Moment zum anderen schwelgt. Es gibt keine Ruhe, nur Übergang. „Scaring the Hoes“ ist ein Zufluchtsort für die Art von hypnotisierendem und unkonventionellem Hip-Hop, der heutzutage selten zu hören ist, und unterstreicht die Notwendigkeit von Gemeinschaftsprojekten wie diesem. – Joshua Pickard

[93 n. Chr.]

Britischer Singer-SongwriterJoanne Robertson nutzt Volksmusik, um ihren inneren Kompass neu zu kalibrieren und Wege zu finden, all die unaussprechlichen Dinge auszudrücken, die sich zu einem bestimmten Zeitpunkt in ihrem Herzen und Kopf festsetzen. Ihre Stimme ist gesprächig, besitzt eine eiserne Entschlossenheit, wenn es nötig ist, und ist leise vernichtend, wenn man sie sich selbst überlässt. Und es leistet ihr gute Dienste auf ihrem neuen Album „Blue Car“, dessen Lieder sie schon seit geraumer Zeit begleiten und über ein Jahrzehnt voller vergessener und erneuerter Erfahrungen, Erinnerungen und Gefühle hervorbringen. Diese aus Archiven unveröffentlichten Materials stammenden Tracks fungieren als Schnappschüsse präziser Momente in ihrem Leben, schmucklose akustische Geschichten, die in der Dunkelheit flackern und darauf warten, dass jemand vorbeikommt und mit ihnen wartet, bis die Morgensonne aufgeht, um die Schatten zu vertreiben.

Für Robertson ist die Distanz, die auf dem Weg zur Offenbarung zurückgelegt wird, die wichtigste Information. Es geht nicht darum, wo die Musik aufhört – es geht darum, wie sie die Landschaft und jeden in Hörweite prägt, der wirklich über ihre wahre emotionale Relevanz nachdenkt. Im Titeltrack wird sie durch eine dichte Lo-Fi-Atmosphäre gefiltert und beginnt ihre Reise weit entfernt von allen anderen, eine einsame Stimme, die diejenigen ruft, die auf ihrer Wellenlänge operieren. Es gibt den Tenor des restlichen Albums perfekt vor und präsentiert eine Zögerlichkeit, die langsam dahinschmilzt, während wir mit ihr diese Straßen bereisen. „If It Feels“ wirkt wie etwas, das Harry Smith bei seiner Erkundung der Appalachen aufgenommen haben könnte, während „River Shock“ eine wunderschöne Mischung aus gezupften Streichern und ätherischem Gesang ist. Sie macht die Dinge nie zu kompliziert, gibt jedem Lied Raum zum Ausatmen und Nachdenken über seine eigenen Ziele und verliert dabei nie aus den Augen, wie wichtig ein einzelner Moment sein kann. – Joshua Pickard

[Ideologisches Organ]

Mit frühen Arbeiten,Kali Malone erkundete die Möglichkeiten der Pfeifenorgel (insbesondere bei The Sacrificial Code aus dem Jahr 2019), wechselte dann den Gang und verschmolz ihre eigene Synthesizerarbeit mit Posaunen- und Bassklarinettenparts mit freundlicher Genehmigung von Mats Äleklint und Isak Hedtjärn (Living Torch aus dem Jahr 2022). Im Januar 2023 veröffentlichte sie das fünfstündige, neun Titel umfassende „Does Spring Hide Its Joy“. Malone nutzte auf innovative Weise Sinuswellenoszillatoren und wurde von Sunn O))) dem Gitarristen Stephen O'Malley und der Cellistin Lucy Railto begleitet. Das Ergebnis ist eine stimmungsvolle Reihe von Wechselspielen, mit denen das Trio ein wegweisendes Werk des atmosphärischen Minimalismus schmiedet.

Der Titeltrack „v1.1“ beginnt leise, aber mit auffallender Klarheit, ein einsamer Ton, der sich bald ausbreitet und die Einzigartigkeit der Vielfältigkeit auf eine Weise weicht, die sowohl für Darwin als auch für den Buddha gelten würde. Lautstärke und Töne verschieben sich, Obertöne werden hinzugefügt und entfernt, Texturen werden geglättet und rauer. Das Trio beweist die Fähigkeit, überzeugend ausdrucksstark zu bleiben und gleichzeitig eine atemberaubende Zurückhaltung an den Tag zu legen.

Auf dem einstündigen Track „v1“ agiert das Trio subtil interaktiv und dennoch präzise ausbalanciert. Synthesen und Symbiosen werden hervorgehoben, während das Trio die voneinander abhängige und evolutionäre Natur des Lebens metaphorisiert. Auch wenn viele dieser Klänge über lange Zeiträume anhalten, verändern sie sich (irgendwann) oder verblassen, was auf Vergänglichkeit hindeutet.

Trotz seiner einschüchternden Länge sind die dröhnenden Resonanzen, kristallinen Übergänge und energischen Bewegungen von Does Spring fesselnd. Ein Zuhörer stellt sich epochale Prozesse vor: den Urknall, die Entstehung von Zeit und Raum, die Geburt und den Tod von Sternen, das Aufkommen und Vergehen von Arten. Synästhetische Zuhörer können prismenartige Lichtwellen erleben, die von Erdtönen bis hin zu leuchtendem Gelb reichen. Das ist Musik, in die man hineinklettern und sich ihr hingeben kann. Es bietet ein Tor zu höheren und transzendenten Wahrheiten. – Johannes Amen

[EMI / Geffen]

Kali Uchis hat lange nach einer Möglichkeit gesucht, Pop mit R&B zu verbinden, ohne die einzigartigen Schwingungen beider Genres zu opfern, und mit Red Moon in Venus hat sie ein Album abgeliefert, das die Stärken beider Genres zum Ausdruck bringt und gleichzeitig die üblichen Plattitüden, die diese Klänge oft begleiten, umgeht. Dieses Album konzentriert sich auf Selbstidentität, Liebe, emotionale Autonomie und das Bewusstsein für die größeren Schmerzen des Lebens und strahlt einen vergänglichen Glanz aus, der in der Euphorie der Freude und des körperlichen Vergnügens schwelgt und gleichzeitig auf die Dinge hinweist, die uns unser Glück rauben würden . „Roter Mond auf der Venus“ ist eine Hommage an die Momente, die uns auf unterschiedliche Weise Kraft verleihen, sei es der Schock, den uns die innige Freundschaft verschafft, oder die Erkenntnis, dass wir allmählich auf eine Form der Selbstverwirklichung hinarbeiten.

Diese Songs flattern und springen von einem Gedanken zum nächsten und ziehen uns durch eine lebendige Welt aus 80er-Jahre-Synthesizern, üppigen R&B-Grooves und einer zweisprachigen lyrischen Direktheit, gefiltert durch Ströme von Hip-Hop-Prahlerei. Ihre Stimme besteht zu gleichen Teilen aus flüssigem Silber und Rauch, ist sprunghaft und von einer enormen Anziehungskraft umgeben, immer in einem Zustand schwankender Bewegung. Unterstützt von Summer Walker, Omar Apollo und Don Tolliver in Nebenrollen findet Uchis einen Weg, die sprudelnde Natur der Popmusik mit den sinnlichen Gedanken des klassischen R&B zu verbinden – es ist ein komplexes Gleichgewicht, das ihr gelingt, indem sie durch luftige Melodien gleitet, die sich kilometerweit erstrecken Gleichzeitig konzentriert sie sich auf höhlenartige Rhythmen, die ihre einzigartige Begabung für die Verschmelzung verschiedener Ästhetiken und musikalischer Genealogien offenbaren. – Joshua Pickard

[September-Aufnahmen]

Chicagoer Künstler und DichterKara Jackson Sie hat zwar gerade erst ihr Debütalbum veröffentlicht, aber sie hat in ihrer Zeit schon viel Leben erlebt – und all das kommt auf ihrer ganz eigenen, charaktervollen Art in „Why Does The Earth Give Us People To Love?“ zum Ausdruck. Dieser Titel weist uns auf die emotionale Verletzlichkeit hin, die in diesen akustisch geführten Schreiben im Spiel ist, aber er wird der reinen Einstellung, die Jackson ihren Geschichten verleiht, nicht gerecht. Egal, ob man sich einfach nur über „verdammter Schwachkopf-Blues“ beklagt oder sich darüber beschwert: „Jeder Mann denkt, ich bin seine verdammte Mutter / Gut für Milch und gut fürs Abendessen“, es wird ein aufrichtiges Gefühl humorvoller Verärgerung vermittelt.

Aber zum größten Teil ist Jackson in diesen Tracks dabei, die Tiefen ihrer Prüfungen auszuloten, um sich selbst herauszufinden. Unterstützt durch sparsame Arrangements, das ein oder andere bisschen Blechbläser und vor allem ihr reiches Gesangsinstrument kann sie so natürlich in die Erde eines Gefühls eindringen, wie sie damit davonfliegen und der Last entfliehen kann. Egal, ob sie ihre schlechten Dating-Entscheidungen beklagt oder aus ihrer Erfahrung heraustritt, um das Verhalten heruntergekommener Charaktere zu beobachten, sie bringt eine einfache Komplexität und ein enormes Mitgefühl mit, die immer fesselnd sind. – Rob Hakimian

[Rvng Intl.]

Wenn Sie den Ahnungslosen WOW vorspielen, werden Sie mit Sicherheit einige neugierige Blicke und Kommentare erhalten. Das Neueste vom russischen Spinner-Pop-AnbieterKate NV befindet sich in einer seltsamen Mischung aus Aufzugsmusik, New-Age-Musik, Kinderfernseh-Soundtrack und ASMR-Soundboard. Aber sie schafft es auf eine Art und Weise, die überzeugender und geradezu frecher ist, als es jeder dieser Stile normalerweise ist.

WOW ist weit entfernt von den dicht bevölkerten Klängen ihres Albums Room For The Moon aus dem Jahr 2020 und ist leicht und luftig, seine Töne und Klänge sind auf einem weißen Hintergrund verstreut – ähnlich dem Cover. NV ist stimmlich oft abwesend und überlässt es ihren sorgfältig eingesetzten Klängen, ausgewählten Synthesizer-Tönen und Saxofon-Anklängen, für sich zu sprechen. Es kann schwierig sein, eine Bedeutung – oder auch nur einen Groove – zu finden, an der man sich festhalten kann. Diesen Songs mangelt es an Hooks – zum Teufel, sie haben nicht einmal wirklich Bass. Es ist nicht so, dass der russische Betrüger nicht möchte, dass Sie sich wohl fühlen, aber es kann entmutigend sein, diese unheimliche Welt der elektronischen Klänge in den Griff zu bekommen. Es ist, als hätte sie Sie eingeladen, sich in ihr Wohnzimmer zu setzen, aber alle Stühle haben seltsame Formen oder sind fein ausbalanciert, und Sie sind sich nicht sicher, wie Sie genau hineinpassen sollen.

Aber erst wenn man den Wunsch aufgibt, inmitten von WOW Ordnung zu finden, fängt man an, es zu schätzen. Es macht Spaß zu hören, wie sich bei „mi (we)“ zwischen schimmernden Synthesizern und leicht klickender Percussion akustische Portale öffnen, bei „early Bird“ neben Geige und Saxophon durch eine Reihe von Zirpen und Gurren wackeln oder in ein Füllhorn niedlicher Klingeltöne eintauchen und Melodien zum abschließenden „Miau-Chat“. Wenn Sie am anderen Ende von WOW herauskommen, fühlt es sich an, als würden Sie eine Mega-Casino-Spielhalle verlassen, nachdem Sie Ihr Kleingeld für funkelnde, klirrende Spiele verschwendet haben, denen Sie nicht gefolgt sind – aber Sie können es kaum erwarten, es noch einmal zu versuchen. – Rob Hakimian

[Hahnentritt]

Eine hinterhältige Erkundung der Kindheit und Mutterschaft,Katie Gately Das dritte Album von Fawn / Brute ist eine immersive Theaterproduktion elektronischer Musik. Sie macht dicke, schwerfällige Werke, wie Leinwandgemälde mit zentimeterdicken Schichten tropfender Farbe. Sie türmt Schichten von Synthesizern, Bläsern und Stimmen übereinander, bis Ihnen schwindelig wird und Sie aus einer Höhe herabblicken, von der Sie nicht wussten, dass sie unter Ihnen liegt. „Cleave“ stolziert mit der Atmosphäre eines Róisín-Murphy-Tracks, „Chaw“s Spoken-Word-Erzählung verdankt seine kinetischen musikalischen Ausbrüche dem Hyperpop und „Howl“ hat seine Wurzeln in etwas, das wie ein Stadiongesang des American Football klingt.

Während Gatelys Texte ein wenig Arbeit erfordern, um durchzudringen, reicht ihre poetische Anziehungskraft aus, um zu verblüffen. „Squeamish sagte das Olivenöl zur Verlockung des / Ofens, zum Schnurren des Ofens“, beschwört sie auf „Scale“, während sie auf „Meat“ lebendige Bilder mit Zeilen wie „Dieser Winter weinte und suhlte, aus einem Splitter wurde ein Rohrstock“ schnitzt. ” Das oben erwähnte Highlight „Cleave“ schafft es sogar, seine köstlichen Silben – „My heart is bark, rigid and star, cinched up frock of hawk“ – so klingen zu lassen, als hätte sie Obszönitäten aufgegriffen und sie verführerisch umgesetzt. Es ist nur ein Beispiel dafür, wie Gately einen in ihren Bann zieht: eine Sirene, die man mit großen Augen betrachten kann, und ihre Lieder sind der perfekte Köder. – Ray Finlayson

[Paper Route Empire]

Ein Verlust kann für die Langlebigkeit eines Rappers lähmend sein. Während Quavo und Offset nach dem sinnlosen Mord an Takeoff weiterhin hartnäckig weiterzumachen scheinen, werfen Sie einen Blick auf das allgemeine Ergebnis. Es ist nicht unfair, auf Proofs Tod hinzuweisen, wenn man darüber nachdenkt, wie Eminem zum Rap-Roboter wurde. Ski Mask, der Slump-Gott, scheint so gut wie verschwunden zu sein, die Liste geht weiter und weiter.

WannSchlüsselglocke Als er seinen Cousin, Mentor und unzertrennlichen Reimpartner Young Dolph verlor, waren alle Wetten geschlossen. Einige dachten, er würde einfach weggehen, vor allem angesichts seiner bereits bestehenden Müdigkeit gegenüber Hip-Hop und seiner Zurückhaltung beim Aufbau von Beziehungen zu Künstlern außerhalb seines unmittelbaren Umfelds (siehe „Fuck a Feature“ zu diesem Projekt). Überraschenderweise, wenn überhaupt, kam er überzeugter als je zuvor zurück. Zweifellos umkreist Glockoma 2 Trauer („Ich habe meinen Kumpel verloren, jeden Tag tut dieser Scheiß weh“), aber er ist so geschmeidig und bösartig wie eh und je. Auch bei der Produktion bleibt seine neidische Auswahl unverändert. Dieses Werk ist so sicher, dass Sie mit dem Bass gegen den Kopf stoßen und den Krater spüren, den Dolphs Tod hinterlassen hat. Es gilt als eines der bisher auf jeden Fall unverzichtbarsten Rap-Projekte des Jahres. – Chase McMullen

Lankum–Falsches Lankum

[Harter Handel]

Auf ihren bisherigen Alben ist das irische Quartett vertretenLankum haben sich als Alchemisten darin erwiesen, die langjährigen Traditionen der Volksmusik mit moderneren Ansätzen zu verbinden, und das vierte Album „False Lankum“ ist ihr bisher bestes Beispiel. Sie übernehmen den Standard des achtminütigen Openers „Go Dig My Grave“, bei dem Radie Peat mit durchdringenden Tönen die Geschichte von Eltern erzählt, die entdecken, dass ihre Tochter sich erhängt hat – dann verfällt Lankum in der zweiten Hälfte des Songs in ein seekrankes Dröhnen und untermalt die unbeschreibliche Angst vor der Situation. Es ist eine haarsträubende Einführung in das Album, die jedem Uneingeweihten mit Sicherheit einen Schauer über den Rücken jagen wird.

False Lankum bleibt nicht die ganze Zeit so dunkel. Tatsächlich ist der zweite Titel „Clear Away In The Morning“ genau das, was der Titel vermuten lässt; ein frischer neuer Tag nach den vorangegangenen Schrecken, die Schichten der Instrumentierung schweben wie Nebel am frühen Morgen, der dann von einer Brise herrlicher Harmonie hinweggefegt wird. An anderer Stelle werden wir mit eher klassischen Folk-Stilen verwöhnt, während Lankum Geschichten über illegale Liebe, mythische Schönheiten, mörderische Ehemänner, Kater am Montagmorgen und mehr erzählt, alles zu einer dynamischen, rustikalen und geradezu schönen Begleitung.

Und False Lankum beherbergt auch einige spannende Instrumentalstücke. Selbst in diesen Liedern ist Lankums Spiel so ausdrucksstark und mitreißend, dass es sich anfühlt, als würden sie Geschichten durch Melodien erzählen – denn genau das sind sie im Kern: Geschichtenerzähler. Alles, was sie verlangen, ist, dass Sie sich um Sie herum versammeln und Ihre Ohren und Ihre Seele leihen. – Rob Hakimian

[Orangenmilch]

Mit Salesforce,Lauren Bousfield rationalisiert ihr bisheriges Werk – veröffentlicht unter ihrem eigenen Namen und dem Spitznamen Nero's Day at Disneyland – und schmiedet über 30 Minuten gegenkapitalistische, ja anarchische Klangpalimpseste. Auf „Mansions No One Wants to Buy for Any Price“ ist ihre Stimme XMU-freundlich, sogar Caroline Polachek-freundlich, obwohl sie aufgrund der Art und Weise, wie sie von rasenden Synthesizern und verzerrten Melodiefragmenten zerschlagen wird, ein aufgeregtes Timbre annimmt. Auf „Hazer“ erinnert uns Ada Rook daran, warum sie wahrscheinlich auf jedem Album mit Horror-, Metal- oder Hypertendenzen auftauchen sollte. Ihr dämonischer Schrei und Bousfields kakophonische Instrumentierung verleihen Jim Morrisons Vorstellung von „einer langen, anhaltenden Störung der Sinne“ eine neue Bedeutung.

„Hail Sound“ zeigt Bousfields klassische Klavieranklänge bei einer Kanne Kaffee und einer Tasse Zucker. „Organised Abandonment Bird Migration Patterns Relentless Bureaucratic Violence“ basiert auf perkussiven Parts, die sich an Sophie und Arca orientieren, und schnellen Klavierkritzeleien, die Shredder Yngwie Malmsteen neuen Glauben geben würden. „Organizational Rot“ orientiert sich am Elektropop und demonstriert erneut Bousfields stimmliche Vielseitigkeit. Allerdings reißt das Stück bald aus allen Nähten; Perkussions-, Synthesizer- und Piano-Elemente vermischen sich, prallen aufeinander, ergänzen sich und stellen sich gegenüber. Ein Zuhörer wird hin und her geschleudert wie ein sprichwörtlicher Pappbecher auf stürmischer See. Auf diese Weise entwirft Bousfield ein Projekt, das den zeitgenössischen Zeitgeist einfängt: die Verbreitung von Erzählungen, die Allgegenwärtigkeit widersprüchlicher/unzuverlässiger Informationen und die überfüllte Präsenz von fast acht Milliarden Egos, jedes einzelne von ihnen hungrig, gefräßig und unersättlich. – Johannes Amen

[Quelle / YG Plus / EMI / Universal Japan]

Am anderen Ende des K-Pop im Jahr 2023 im Vergleich zum Album weiter oben in dieser Liste pulsiert UNFORGIVEN geradezu vor manischer Energie. Wo ich IVE habe, zeigt es eine gewisse Reife, manchmal fast stattlich in seiner Präsentation,DIE SSERAFIM präsentieren eine Welt, die in so etwas wie pure Panik versunken ist. Nicht jede einzelne Idee funktioniert, aber wenn sie jede einzelne Idee mit so viel Selbstvertrauen und Energie mutig an die Wand werfen, kann man nicht anders, als mitgerissen zu werden.

Aufgrund seiner herrlich unterschiedlichen Einflüsse, mythologischen Inspirationen und des verdammten Nile Rodgers hat UNFORGIVEN sicherlich keine Angst vor großen Schwankungen. Es ist ebenso wahnsinnig unterhaltsam wie unverschämt wild. Langjährige Fans mögen sich über die Aufnahme wiederaufbereiteter Songs beschweren, aber das Album scheint eindeutig dazu gedacht zu sein, sie einem breiteren Publikum vorzustellen. In diesem Sinne kann man nicht leugnen, dass die Songs als Ganzes einfach zusammenpassen. Es ist ein Album, das man am besten einfach nur erlebt, statt darüber zu reden, also klicken Sie bitte einfach auf „Play“. – Chase McMullen

[Aufgenommene Titel]

Wann führt Einfluss zu unbeabsichtigter Nachahmung? Kann eine Band ihre eigenen Inspirationen so gründlich verkörpern, dass sie den Funken Einzigartigkeit verliert, der ihr Publikum überhaupt angezogen hat? Das sind Fragen, die ich mir immer wieder gestellt habe, als ich Zeit mit Everything Harmony verbrachte, dem neuesten Album des New Yorker GeschwisterduosDie Zitronenzweige . Aber je tiefer ich in die Soft-Rock-Umarmung verfiel, desto mehr wurde mir klar, dass diese Fragen sinnlos waren und meine Sicht auf die Musik unnötig prägten. Brian und Michael D'Addario sind hier sicherlich auf das Terrain der 70er-Jahre vorgedrungen und haben die Laurel-Canyon-Folkigkeit mit der Pop-Reinheit der Pet-Sounds-Ära verschmolzen, aber anstatt es anhand seiner musikalischen Vorfahren zu beurteilen, suggeriert das Album einfach, dass man sich über Musik informieren kann geschichtsträchtig und völlig einzigartig, eine Aussage darüber, was bereits geschehen ist und was noch geschehen wird.

Die Melodien sind makellos und drehen sich um den Kopf und bieten eine ungewöhnliche Ausstrahlung und Wärme, selbst wenn man sich in knorrigere lyrische Erzählungen vertieft. Der Geist von Alex Chilton würde sich freuen, denke ich. Sie erinnern an den rasselnden Garage-Pop von Big Star in „What You Were Doing“ und an eine schillernde Indie-Spröschung in „Ghost Run Free“, obwohl es der Eröffnungstrack „When Winter Comes Around“ ist, der Everything Harmony als etwas wirklich Besonderes kennzeichnet. Es bereitet die Bühne für das, was noch kommt, und bringt so perfekt ihre Vorliebe für Softrock (nicht Yachtrock) mit dem Wunsch in Einklang, all den Bands, die sie offensichtlich bewundern, ihr Können unter Beweis zu stellen. Manchmal selbstironisch und anderswo voller Staunen haben die D'Addario-Brüder nicht nur eine bemerkenswerte Pop-Rock-Platte geschaffen – sie haben uns in eine Zeit zurückversetzt, in der Musik absolut notwendig erschien und Herzen gebrochen und geheilt werden konnten durch eine einzige Melodie. – Joshua Pickard

[Deathwish, Inc.]

Acht Jahre nach ihrem letzten Album, der Dringlichkeit der Band aus San FranciscoLoma Prieta hat kein bisschen nachgelassen. Es ist eine turbulente Zeit seit ihrem letzten Album vergangen, und jeder Zentimeter dieser Belastung steckt in „Last“, einem vitalen und belebenden 34-minütigen Knaller.

Während Loma Prieta in die Schublade Post-Hardcore gesteckt wird, zeigt sie, wie sie die Grundsätze des Genres beibehalten und gleichzeitig eine abwechslungsreiche Show abliefern können. In jedem Track herrscht Tempo und Dringlichkeit, sowohl in der rasanten Percussion als auch in Sean Learys Lunge, die die Stimme zum Bersten bringt, aber die magische Mischung aus Bass und Gitarre spiegelt die komplexe Palette der Emotionen wider, die in dieser Verzweiflung stecken. Von Song zu Song schwanken sie von blockigen Divebombs über wunderschöne Blasts bis hin zu knackigen Experimenten und brennenden Stapeln aufsteigender Akkorde. Sie verirren sich in Post-Rock und Black Metal, immer mit Präzision und Zielstrebigkeit – sie sind keine Touristen in diesen Klängen, sondern eine gelassene, klare und erfahrene Band, die ihre Ängste in einer Vielzahl von Stilen ausdrücken kann, um die Verzweiflung zu vermitteln .

Hoffen wir nur, dass es im Titel „Last“ um die Fähigkeit der Band geht, alles zu überstehen – kein Zeichen dafür, dass dies das Ende des Weges ist, denn sie haben hier bewiesen, dass sie immer noch über eine Fülle an Brillanz verfügen, die es zu nutzen gilt. – Rob Hakimian

[Jagjaguwar]

Da bahnt sich ständig eine alte Einsicht ihren WegLonnie Holley „Oh Me Oh My“, ein Album, das zuweilen ebenso tiefgründig wie unerwartet experimentell ist. Mit Moor Mother, Michael Stipe, Bon Iver, Sharon Van Etten und anderen präsentiert es sich als eine Art historisches Dokument, eine Sammlung persönlicher Geschichten, die von einem Mann weitergegeben wurden, dessen Leben von Gezeitenkräften jenseits unserer Realität geprägt wurde. Die zum Ausdruck gebrachten Gefühle sind zeitlos und dennoch sind sie absolut wichtig für das Verständnis der schrecklichen Dinge, die wir alle in den letzten Jahren erlebt haben. Holley ist eine Lehrerin, eine spirituelle Mentorin – aber an diesen Liedern ist nichts Schwerfälliges. Es gibt hier weder eine falsche Note noch einen Moment, in dem man von seiner Seite etwas anderes als völlige Empathie spürt. Er möchte helfen, erziehen, anleiten, und diese Aufzeichnung fungiert als seine Plattform für emotionale und soziale Offenbarung.

Seine Stimme ist rau, aber völlig klar, ein zitterndes Leuchtfeuer der Hoffnung in einer Welt, die in Schatten gehüllt ist. Die Musik, eine Mischung aus Blues, Rock, Indie und allem, was er sonst noch einbeziehen möchte, dient ganz seiner unübertroffenen Wahrnehmung der Welt und seiner Frage, wie er sich am besten an ihre Verwüstungen gewöhnen kann. Diese Tracks stützen sich auf die Talente seiner Gäste und sind sowohl ein Schaufenster für deren individuelle Kreativität als auch ein Moment für Holley, diese Sounds zu etwas ganz Eigenem zu formen. Nichts geht verloren, und die Wucht seiner Worte ruft eine emotionale Freiheit hervor, ein Gefühl der hart erkämpften Unabhängigkeit von der Schwere, die er so viele Jahre damit verbracht hat, gegen die ihm auferlegten Lasten zu kämpfen. Es gibt einen Weg nach vorne; Am Ende gibt es ein Licht für diejenigen, deren Augen sich heben können, um seinen Blick zu treffen. Der Weg ist nicht einfach, aber Lonnie Holley begleitet uns, bis die Musik zu Ende ist und die Sorgen dieser Welt nur noch ferne Erinnerungen sind. – Joshua Pickard

[Amerikanische Träume]

Sie schmiedet ihre Interpretation des akustischen Tagebuchs,Lucy Liyou veröffentlicht ihr zweites Album, die drei Titel Dog Dreams. Aus dem Koreanischen 개​꿈 übersetzt, bezieht sich der Begriff auf eine Reihe von Träumereizuständen, von einem glückseligen Tagtraum bis hin zu einem nächtlichen Schrecken, typischerweise begleitet von einem klärenden Bewusstsein, dass die Erfahrung illusorisch oder unwirklich ist. Ähnlich wie ihre ästhetische Kollegin Claire Rousay ist Liyou zu gleichen Teilen Studentin, Zen-Praktizierende und Flaneuse.

Im Titeltrack arbeitet Liyou mit „gefundenen“ Geräuschen, vielleicht tropfendem Wasser, Ausschnitten aus einem hypnagogischen Soundtrack und modifiziertem Flüstern. Sie fügt dreiköpfige Drones und zufällige perkussive Elemente hinzu und strebt schließlich eine semi-orchestrale Mischung an, einschließlich eines frei fließenden Klavierparts und einer veränderten Stimme, die gleichzeitig beruhigend und gruselig ist.

„April in Paris“ verwendet weiterhin flüsternde Vocals, die sich gelegentlich in gespieltes Opernstöhnen verwandeln. Die Klanglandschaft ist unaufdringlich geschäftig – Synthesizer-Noten, atmosphärische Akzente, das Knirschen von Schritten. „Ich gehe zum Friedhof“, verkündet Liyou und führt damit das Element des Todes ein. Das Stück endet mit einem Basinski-artigen Hintergrund aus schimmernden Texturen, der in ein eher dystopisch anmutendes Wirrwarr übergeht.

Der Schlussfilm „Fold the Horse“ bewegt sich weiterhin zwischen Ätherischem und Irdischem, Himmlischem und Beängstigendem, Beruhigendem und Aufregendem. Liyou thematisiert die Art und Weise, wie wir verschiedene Welten und Identitäten besetzen. Ihr ausgeprägtes Gespür für Details deutet auf ihre Wertschätzung für die materielle Realität hin; andererseits schwelgt sie in limbischen Prozessen und Nichtlinearitäten. Mit „Dog Dreams“ verbindet Liyou gekonnt das Phänomenale und das Noumenale und erinnert uns daran, dass wir aus Fleisch und Sternenstaub bestehen. – Johannes Amen

[Ferienblick]

Es ist derselbe Erzählbogen wie Baltimores geliebtes Turnstile: DIY-Post-Hardcore-Lieblinge wurden zu „Aufsteigern“ des Mainstream-Rocks und ziehen nun den Zorn der Moshing-Hardcore-Traditionalisten auf sich, die im Untergrund leben. Puristen werden immer wütend sein, aber egal, welche Gefühle sie haben, Los Angeles‘Militärwaffe , wie ihre oben genannten Kollegen an der Ostküste, haben eine beeindruckende Transformation durchgemacht, indem sie auf ihrem Debütalbum „Life Under The Gun“ ihren wütenden Post-Hardcore-Sound mit einer deutlich melodischeren und farbenfroheren, an Pop angelehnten Front überlagerten. Es wird nicht versucht, das Rad neu zu erfinden oder in experimentelles Terrain vorzudringen, das über Genregrenzen hinausgeht – es ist auf den ersten Blick sogar etwas unscheinbar. Doch auf „Life Under The Gun“ reißt die Band – die sich einen Namen mit angepisster Musik gemacht hat, die dem überfüllten, hitzigen Los Angeles angemessen ist – ihre Mauern nieder und legt ein Album vor, das genauso emotional und charismatisch ist wie das Furiose EPs, die sie hierher gebracht haben. Mittlerweile sind sie zwar ganz groß rausgekommen und stehen Seite an Seite mit Post Malone, aber der ehrliche, emotionale Kern wird für die rauflustigen, mittlerweile etwas sanfteren und nachdenklicheren Militarie Gun immer unangetastet bleiben. – Kyle Kohner

[Einsiedler]

Unter der Leitung des Komponisten und Multiinstrumentalisten Joshua Abrams und mit einem Dutzend Musikern aus der Improvisationsgemeinschaft Chicagos,Natürliche Informationsgesellschaft ist eher eine Institution als eine Band, ein sich veränderndes Jazzkollektiv, in dem musikalischer Wiederaufbau gefördert wird und das Experimentieren als Mittel zur persönlichen Weiterentwicklung genutzt wird. Auf ihrem neuesten Album „Since Time is Gravity“ nutzen sie die hypnotisierenden Muster der Saxophonikone Ari Brown auf der Suche nach einer uralten rhythmischen Klangquelle und erschließen eine Musikrichtung, die uralt und vom Fluss der Geschichte losgelöst erscheint. Die Platte wechselt zwischen minimalistischer Ausführung und Momenten, die eine unerwartete Gesprächsdichte offenbaren, und fungiert als Kanal für Abrams‘ Faszination, die melodischen Klangfarben nordafrikanischer Musik mit den endlosen wirbelnden Wirbeln des Jazz zu verbinden.

Basierend auf Abrams‘ Einsatz der Guimbri, einer mit Fell überzogenen Laute, die in der marokkanischen Musik weit verbreitet ist und oft mit dem Volk der Gnawa in Verbindung gebracht wird, legt das Album nahe, dass Musik einen sicheren Zufluchtsort für jeden bieten kann, der sich von der chaotischen Welt um ihn herum distanzieren möchte, sowie perkussive Elemente fungieren als Puffer für unnötige Ablenkungen, während die gezupften Saiten in diesem beruhigenden Raum zittern und widerhallen. Aber „Since Time is Gravity“ bietet nicht nur einen Ort zum Nachdenken und zur emotionalen Neuausrichtung; Aus den Konturen seiner Jazz-Dekonstruktionen entstehen ganze Welten. Man erkennt schnell, dass die Verwendung von Wiederholungen und dröhnenden Tönen dazu dient, die organischen Wellen, die die melodische Grundlage jedes Titels bilden, als Kontrast zu schaffen. Dieses Album ist ein Mysterium, das sich nicht den Genre-Standards anpassen will, irgendwo können wir aus der Zeit heraustreten und uns in den labyrinthischen Korridoren seiner Klänge verlieren. – Joshua Pickard

[KEIN GOTT]

Es kommt selten vor, dass ein Hip-Hop-Album als großartig bezeichnet werden kann, obwohl es Ausnahmen gibt. Eines davon ist das selbstbetitelte Debütalbum von Toronto TwosomeNODUO , eine Sammlung von Streicherorchestrierungen, Jazz-Rap-Schwankungen und formbaren, beatgetriebenen Atmosphären, die alle von Rapper-Produzent Nonazz und Rapper No God zusammengestellt wurden. mit Hilfe der Gastsängerin Gothic Delphine und des Rappers Sneaky Preacher.

Das Album schwankt zwischen minimalen Rhythmen, die von aufsteigenden Streichern geschmückt werden, bis hin zu elastischen Boom-Bap-Jubeln, die schließlich in sich zusammenfallen. Das Album wirkt sowohl entspannt als auch erfüllt von einer rastlosen Kreativität. Wellen des klassischen Soul brechen über die verschiedenen ausgestellten Hip-Hop-Landschaften und bieten einen groovigen Kontrapunkt zu den stärkeren Einflüssen von Nonazz und No God. haben sie auseinandergerissen und repariert, um der schillernden Welt zu dienen, in der diese Lieder leben.

Von der Bläser-Euphorie von „Scintillation“ bis zu den üppigen Soul-Pop-Anklängen von „What Happened“ spielt das Album locker mit Genre-Konzepten, opfert aber nie seine eigene einzigartige musikalische Identität. Die dichten Streicher in „Light Industry“ erinnern an die klassisch gefärbte Arbeit von Chris Connor oder Joni James, während „Seabird“ an die hybriden rhythmischen Collagen erinnert, die Madlib bevorzugt, mit tanzenden und wirbelnden Tasten, bevor sie mit einem Sample aus dem Originalfilm „Friday the 13th“ enden . Diese Lieder haben eine gewisse meditative Aura, eine Widerspiegelung ihrer Erfahrungen aus ihrer Jugend, die ihre Wertschätzung für Klänge aller Formen und Winkel prägten. Aber so oft sie zurückblicken und darüber nachdenken, wo sie waren und welche Musiker bestimmte Momente in ihrer Vergangenheit vertont haben, so beschäftigt sich dieses Album auch mit der Frage, was die Zukunft bringt und wohin ihre verflochtenen Kreativitäten sie führen könnten. – Joshua Pickard

[Zegema-Strand]

Verständnis wird manchmal wirklich überbewertet. Fragen Sie einfach das New Yorker Screamo-Outfit (mit nur einem Hauch Black Metal).OLTH , und sie werden wahrscheinlich zustimmen, dass die Worte von Zeit zu Zeit einfach nicht so wichtig sind – es sind die unverfälschten Emotionen und das Gemeinschaftsgefühl, die an ihrer Stelle sprechen. Auf ihrem Debütalbum „Every day is sOmeOne's speciaL day“ behandelt die Band die Stimme des Sängers Sean Kennedy wie eine weitere Textur, die bis zur Unkenntlichkeit verzerrt und mutiert wird. In Anlehnung an die bösartigen Experimente von The Locust, wenn auch etwas zugänglicher, haben OLTH aus den verrottenden Eingeweiden von Punk, Metal und Hardcore eine unförmige Chimäre geschaffen. Aber hier ist eine Frage: Warum ist es so verdammt eingängig? Das ist ein zerreißendes, knochenbrechendes Zeug, und doch haben sie es geschafft, es fast summbar zu machen, was zu einem melodischen Giganten geführt hat, der von den Eingeweiden und dem Schweiß jeder Person durchnässt ist, die an seiner Entstehung beteiligt war.

Abgesehen von der vierminütigen Kuriosität „>_<“ ist das Album von brutaler Kürze geprägt und nutzt rasante Tempi und Banshee-Gesang, während die Band versucht, alle Hindernisse auszumerzen, die zwischen ihnen und dem Leben, das sie sich wünschen, stehen. Im Kern dokumentiert das Album ihre Suche nach Glück, nach persönlichem Sinn in einer Welt, die ständig versucht, emotionale Befriedigung zu verweigern. Es gibt jedoch Momente, in denen die Band Raum für eine langsamere Reflexion schafft, wie zum Beispiel beim Abschlussstück „The Last sOng“ und dem Album-Highlight „sOng for jOrdan“. Aber diese ruhigeren Momente geben keinen wirklichen Aufschluss über die Gesamtperspektive des Films, bieten aber dennoch die nötige Erleichterung von der ständigen Bombardierung von Lautstärke und rhythmischem Chaos. OLTH haben ein Album von beträchtlicher Dichte geschaffen, bei dem Weite oft mit Offenbarung in Verbindung gebracht wird und das seine anarchischen Ideale gegen diejenigen aufrechterhält, die versuchen würden, seine Ambitionen zu schmälern. – Joshua Pickard

[Ihr Band]

Ich sage es deutlich: Ich bin ein Fan von Science-Fiction-inspirierter elektronischer Musik. Da Nostromo von SleepResearch_Facility immer noch die goldene Stufe meines persönlichen Favoriten innehat, bin ich immer auf der Suche nach mehr Material in der Arena.

Dank des Titels und des Artworks ist es also unnötig zu erwähnen,Reich verpackt 's Warp Fields erregten sofort meine Aufmerksamkeit. Zum Glück geht es über die oberflächliche Science-Fiction-Ästhetik hinaus und erweist sich als lohnendes und abenteuerliches Hörerlebnis. „Disembodied“ hat Metroid-Prime-Vibes und die ganze Angelegenheit vermittelt im Großen und Ganzen das Gefühl, lässig ferne Welten zu erkunden. Reise weiter. – Chase McMullen

[Polyvinyl]

El Kempner akaPalehound hatte schon immer keine Angst davor, ihre Unzulänglichkeiten, schlechten Angewohnheiten und unangenehmen Geschichten durch ihre Musik zur Schau zu stellen, und mit Eye On The Bat haben sie vielleicht ihr bisher ergreifendstes Album abgeliefert. Das Herzstück „My Evil“ hat sich an die Spitze der besten Songs von Palehound gesetzt, da es eine perfekte Zusammenfassung dessen ist, was Kempner gut kann; Ehrlich, humorvoll und schockierend zu sein und gleichzeitig die Schlagkraft in einen absolut eingängigen Grunge-Lite-Sound zu packen.

An anderer Stelle gibt es elektronische Versuche im pulsierenden „U Want It U Got It“, eine Abhandlung über gute und schlechte Witze in „Good Sex“, hüpfenden, frustrationsreichen Stadionrock in „The Clutch“ und einen erschöpft hübschen Akustik-Bop in „ Fadin“. Kempner sieht in ihren Geschichten über Lust, Verlust und Peinlichkeit kaum einen Sonnenstrahl, aber gepaart mit ihrem eingängigen, muskulösen Riffing werden ihre Kreuzzüge zu unseren eigenen, und wir schütteln im Einklang mit ihren Ärgernissen den Kopf und die Fäuste. Eye On The Bat ist ein Album, das Sie abwechselnd zum Mitsummen, Mitwippen oder Dröhnen bringt. Es ist die perfekte Pille, um einen langweiligen Tag auszulöschen und Sie mit aufrichtigen Emotionen zu erfüllen. – Rob Hakimian

[Domino]

Eine Aufzeichnung emotionaler Gegensätze, findet Formal Growth in the DesertProtomärtyrer in ihrer musikalisch abenteuerlichsten und Leadsänger Joe Casey in seiner persönlichsten Form. Der Titel des Albums ist eine Reise vom Ende der Lockdown-Ära („Make Way“) bis zu Caseys glücklichstem Moment seines Lebens („Rain Garden“) und kann als seine persönliche Entwicklung in einer Zeit der Unfruchtbarkeit gelesen werden emotionale Landschaften, die noch an die Angst vor Corona erinnern. Trost für private Unruhen und Tragödien – etwa die Trauer um seine verstorbene Mutter (die er in „Graft vs. Host“ und „The Author“ verarbeitet) und die Konfrontation mit dem Einbruch in sein Haus und der glanzlosen Reaktion der Polizei darauf („Wir kennen die Ratten“) “) – kommt in einer ständigen Vorwärtsbewegung, die Caseys Seele durch die Zeit trägt. Während dieser Reise verwandelt sich „Make Way for Tomorrow“ in „Make Way for My Love!“ Die Verwandlung von Bildern aus Roadmovies und Westernfilmen in eine Landschaft amerikanischer Ödlande steht im Kontrast zu seiner Begeisterung für das Finden und Annehmen von Liebe, den Ausweg aus dem grausamen Großstadtdschungel, in dem alternde Sportler („Fun in Hi Skool“) und Hirngespinste leben Milliardäre („Let's Tip the Creator“).

Parallel zu seiner Lyrik erblüht eine starke musikalische Erforschung: Inspiriert von Ennio Morricones Soundtracks (insbesondere seinen Werken jenseits des Western-Genres) gibt es in Protomartyrs Kompositionen ein neu entdecktes euphorisches Pathos. Sie ähneln dem Glamour der Arbeiterklasse von „Suede“ oder „The Smiths“ und ihren düstersten Detroiter Shoegaze-Legenden „Majesty Crush“. In den weiten Weiten dieser Songs stecken echte Wut und feurige Leidenschaft, wunderschön umrahmt von verzerrten Pedal-Steel-Gitarren. Ja, dies ist eine politische Aufzeichnung über unsere alltäglichen Erfahrungen mit dem Polizeistaat, mit der Übermacht der Konzerne und dem Massensterben aufgrund der kapitalistischen Gier. Aber es ist auch die Beobachtung der winzigen Momente unserer Alltagsbiografien, die unseren Kampf zu epischer biblischer Poesie machen. Wenn Casey bei „Polacrilex Kid“ „I'm BACK“ schmettert, meint er es ernst. Indem er über den abgestandenen Geschmack von Nikotinkaugummis nachdenkt, liefert er uns eine bescheidene Lebensphilosophie – oder einen Kriegsschrei – in die Augen eines scheinbar unüberwindlichen Gegners: „Kau weiter, Junge!“ „Formal Growth in the Desert“ ist möglicherweise Protomartyrs wichtigstes Album in einer Reihe herausragender Veröffentlichungen und eine reife und sanfte Platte voller heilender Wut und echter Euphorie für die Zukunft, was auch immer sie bringen mag. – John Wohlmacher

[Selbstveröffentlicht]

RealYungPhil Die Riegel von 's haben einen so unkonventionellen Charakter – er macht sie schließlich größtenteils auf der Stelle frei –, dass sie für viele alte Leute wahrscheinlich unausgegoren wirken würden. Doch je mehr Zeit man mit ihm verbringt, desto lebendiger und wesentlicher wirken seine scheinbar beiläufigen Äußerungen. Zu seiner Musik trägt unbestreitbar auch sein überragendes Gespür für Beats bei: Für dieses Projekt wandte er sich an Schweden und griff vor allem auf Gud und Woesum zurück.

Selbst in seiner lässigsten Form (also wie er 99 % der Zeit rappt) klingt er irgendwie zu Hause in fast allem, nimmt eine ungewöhnliche Klangkulisse, bei der sich die meisten Rapper den Kopf kratzen würden, oder versucht verbale Akrobatik, die sogar Marshall in den Schatten stellen würde Mathers verdreht die Augen, Phil bleibt einfach bei seiner Zurückhaltung. „Victory Music“ mag sogar wie ein ziemlich pompöser Titel für einen weitgehend unbekannten Rapper erscheinen (zumindest bevor Alphonse Pierre von Pitchfork freundlicherweise etwas Licht in seine Richtung brachte), aber es gibt kein passenderes Label für diese Musiksammlung. Das ist Musik, die dazu gedacht ist, gespielt zu werden, während man sich überragend und unantastbar fühlt – das ist ganz einfach Musik, bei der man sich über allem steht. – Chase McMullen

[Kurbeln]

Die in Portland ansässige Synthesizer-Komponistin Mary Sutton hat ihr neuestes Album als beschriebenStile , Canyon, als „ein Tag im Leben eines Bären in einer Schlucht in den Smoky Mountains“. Durch diesen Avatar erforscht sie hörbar ihre indianischen Wurzeln, ihre schlendernden Gesprächsstücke, die wie Spazierwege durch die wilde Landschaft des Landes wirken, und gleichzeitig ihren Geist.

Natürlich liegt die Interpretation instrumentaler Musik im Ohr und im Kopf des Zuhörers, aber Canyon hat unbestreitbar etwas Dankbares und Begrüßendes. Schichten elektronischer Klänge spiegeln die Großartigkeit des Eröffnungstracks „Waterfall“ wider, im lebendigen „Yona“ ist die unverfälschte Wertschätzung eines Tieres für die Natur zu spüren, der titelgebende Vogel macht auf „Nighthawk“ und Suttons Synthesizern charaktervolle Archen und kreischt durch die Abendluft strecken sich wie warme Lichtstrahlen beim abschließenden „Sonnenaufgang“ aus.

„Canyon“ ist die Art von Album, die, genau wie die Landschaften und die Natur, von denen es inspiriert ist, einem nicht in den Sinn kommt. Es fordert den Zuhörer auf, sich darauf einzulassen und sich auf seine sprudelnden und undefinierbaren Töne einzulassen. Einmal auf die Wellenlänge eingestellt, sind die Ausblicke atemberaubend. – Rob Hakimian

[Selbstveröffentlicht]

Sara zu Noe Das dritte Album stellt dem Hörer eine Frage, bevor die Musik überhaupt beginnt – aber erwarten Sie keine prägnante Antwort. Der Songwriter aus LA beschäftigt sich mehr mit dem Zwischenraum zweier absoluter Werte; „Ich weiß nicht wo und ich weiß nicht wann / Je näher ich komme, desto weiter bin ich“, posiert sie im schillernden Titeltrack. Noelles von Ambient inspirierte Musik gleicht hier einem Himmel voller Sterne oder einer scheinbar endlosen Autobahn, die am Horizont verschwindet. „Hum“ glänzt mit glasigen und benommenen Synthesizern, während der Eröffnungstrack „Blooming Yucca“ seinen Blick nach oben in den wolkigen Himmel richtet. Wenn Noelle die Atmosphäre voll und ganz angenommen hätte, hätte es hier Momente geben können, die doppelt so lang wären und in die sich die Zuhörer hineinversetzen könnten. „I Could Stay / Stay / Here Forever“, sagt sie an einer Stelle, und im besten Fall ruft „Do I Have To Feel Everything“ genau dieses Gefühl hervor. – Ray Finlayson

[Selbstveröffentlicht]

Wie ein Schock aus der Steckdose, Rapper aus MiamiShottie gibt Ihnen einen Stoß ungefilterter Spannung und versucht zusammen mit dem französischen Produzenten Digitale, den Hip-Hop um ein oder zwei Jahrzehnte zurück zu versetzen, in die Zeit, als der Mainstream-Rap von dröhnenden Rhythmen und düsteren lyrischen Erzählungen bevölkert war, die Künstler dazu drängten, die dunklen Winkel des Rap auszugraben ihre Herzen. Ihre Arbeit bei „Stigmatic“ fühlt sich dem Geist des Rap treu an, bösartig und wütend und voller Feindseligkeit gegenüber denen, die ihr Ziel und ihre Entschlossenheit in Frage stellen könnten. Diese Lieder begnügen sich nicht damit, einfach zurückzublicken und in Erinnerungen zu schwelgen; Sie möchten die Anziehungskraft ihrer Inspirationen teilen, diesen Klang in die Gegenwart bringen und darauf hinweisen, dass der Rückblick manchmal der einzige Weg ist, vorwärts zu kommen. Gelegentlich erinnert das Album an den frühen Eminem, wobei die internen Mechanismen die unberechenbare Komplexität von Shadys atemlosen Flows widerspiegeln.

Diese komplizierte innere Struktur ermöglicht es Stigmatic, sich auszudehnen und zusammenzuziehen, sich über die akzeptierten Normen des Hip-Hop hinaus zu entwickeln und eine Existenz zu entwickeln, die nicht durch äußere Reize definiert ist. Hier gibt es kein Gefühl der Ruhe, sondern nur einen konstanten Vorwärtsdrang, der Sie in einem Kielwasser mit sich zieht, das von einem schneidenden Witz, unerwarteten musikalischen Neuarrangements und dem Wunsch geprägt ist, sich wieder mit den rohen Emotionen und dem dynamischen Wortspiel zu verbinden, die das Genre in letzter Zeit scheinbar verlassen haben Jahre. Aber Shottie und Digitale wollen der Rap-Musik neues Leben einhauchen, vorübergehende Trends zugunsten zeitloser emotionaler Relevanz meiden und dabei ästhetische Homogenität völlig außer Acht lassen. Und wenn sie dich auf die Beine stellen, den Mittelfinger in den Himmel strecken und die Stimmen gemeinsam erheben, würde ich wetten, dass sie es als eine angemessene Anerkennung all der Zeit und harten Arbeit betrachten würden, die sie in die Erstellung dieses Albums gesteckt haben. – Joshua Pickard

[Morc]

Stellen Sie sich einen Ort vor, an dem Nebel die Landschaft in ein Geheimnis hüllt, an dem sich aber hin und wieder ein spärliches Laubwerk aus den Grenzen dieses atmosphärischen Phänomens löst. Hier entsteht die Musik der niederländischen Singer-Songwriterin und Ambient-nahen Architektin Mariska Baars, die unter dem Deckmantel agiertFußballkomitee , existiert und wartet geduldig darauf, dass jemand in seine Reichweite gelangt. Sie greifen auf primitive Volksästhetik zurück und nutzen sie, um eine wunderschöne und verwirrende offene Welt voller resonanter emotionaler Räume zu schaffen, die eine parallele Realität mit minimalem Lärm einnimmt, die im Dienste großer Offenbarungen genutzt wird. Die fünf Titel „♥ / Lamb“ demonstrieren ihre Fähigkeit, verheerende Schönheit aus täuschend einfachen musikalischen Hinweisen herauszuholen und sich dabei auf ihre eigenen intuitiven Reaktionen auf diese Klänge zu verlassen, um ein rhythmisches Theater der Beruhigung und verschwommenen Erleichterung zu schaffen.

Die Feierlichkeit und Weite des Openers „No turn to harm“ hilft Baars dabei, sowohl den Tenor des Albums als auch seine Inklusivität zu etablieren. Wenn Sie der sanften Überzeugungskraft des Liedes nachgeben, beginnen Sie zu erkennen, dass es so viel Raum gibt, beliebige Impulse zu erforschen und zu verfolgen, dass der Umfang nahezu grenzenlos erscheint. Es gibt subtile Variationen, die in der Musik verborgen sind, und sie setzt diese clevere melodische Mehrdeutigkeit in „Reaching“ fort, wobei ihre Stimme ein Geist ist, der durch endlose Korridore wandert, während ätherische Töne direkt über ihnen schweben, um Orientierung und einen Weg nach vorne zu geben. Gastmusiker Wouter van Veldhoven stattet „Aride afar“ mit Streichgitarren- und Tape-Loop-Aufnahmen aus und verleiht den Grundkonturen des Tracks etwas Dynamischeres und Verzerrtes. So schlicht und flüssig das Album auch ist, Baars lässt es nie seinen Zusammenhalt verlieren und hält trotz seines spektralen und kapriziösen Temperaments alles zusammen. – Joshua Pickard

[Tiefgründige Überlieferung]

Für das Metal-Duo aus Portland ist das alles eine Verwüstung der verbrannten Erde und eine wahnsinnige AbweichungBesessenheit . Die Band basiert auf den musikalischen Zwillingen des Gitarristen/Sängers S. Peacock (Ulthar, Pandiscordin Necrogenesis) und des Schlagzeugers/hausgemachten Synthesizer-Händlers A. Spungin (Ormus, Taurus) und kreiert eine chaotische Kakophonie, die ihre Black-Metal-Herkunft mit etwas lauterem und lauterem verbindet experimenteller. Diese Hingabe, die geschichtsträchtige Geschichte des Metal mit ihrem eigenen Wunsch zu verbinden, irdischen Untergang herbeizuführen, hat zu ihrem zweiten Album „Of the Sign…“ geführt, einer Sammlung vernarbter und gewalttätiger Ausdünstungen, durchdrungen von dröhnender perkussiver Zerstörung, schlammiger Gitarrentheatralik und Momenten verkohlter Synthesizer Erleuchtung, alles im Dienste eines überwältigenden Zeugnisses der Kraft und Formbarkeit von Metall.

Über die Black-Metal-Impulse hinaus schwelgt die Band auch in einer Punk-/Hardcore-inspirierten Aggression, der Art von dreister Wildheit, die härtere Bands oft unter kilometerlangem, dröhnendem Geklapper und apoplektischem Gesang verbergen. Nicht, dass Peacock und Spungin diese nicht in Hülle und Fülle anbieten, sondern die Art und Weise, wie sie diese streitsüchtige Weite durch eine Linse der emotionalen Relevanz und des erzählerischen Zusammenhalts angehen, anstatt sich nur auf die Lautstärke zu konzentrieren. Sie nutzen den negativen Raum gut aus und finden durch kurze Momente maßvoller Reflexion Raum, um ihre ohnehin schon höhlenartige Ästhetik zu erweitern, selbst wenn um sie herum die Hölle losbricht. „Of the Sign…“ handelt von zügellosen metallischen Kataklysmen und heulenden Katharras, alle in unterschiedlichen Schwarz- und Rottönen bemalt, und begnügt sich damit, bei Bedarf gelegentlich eine höllische Abscheulichkeit heraufzubeschwören. – Joshua Pickard

[Bella Union]

Der norwegische Singer-Songwriter zeichnet sich durch eine sanfte Komplexität ausSusanne Sundfor Das neueste Album von , Blómi, ist ein merkwürdig experimenteller Ausflug durch die Korridore von Folk, Jazz, Pop und klassischer Musik. Der Titel lässt sich grob mit „aufblühen“ übersetzen und fängt die wogende Natur der Musik perfekt ein, wobei sich Streicher, Klavier und verschiedene elektronische Kleinigkeiten zu einer wunderschönen und gelegentlich verwirrenden Sammlung philosophischer Träumereien entwickeln. Zwischen gesprochenen Wortfragmenten und eher melodisch abgestimmten Gesangstheatralik nähert sich Sundfør diesen Liedern durch eine kaleidoskopische Linse kreativer Ambiguität – nichts ist, wie es scheint, und Absichten sind so unergründlich wie Rauch, der durch Ihre Finger kräuselt. Jeder Titel spricht mit seiner eigenen Stimme, im Bewusstsein der anderen, aber niemals einer übergreifenden Erzählung oder spezifischen emotionalen Katharsis verpflichtet.

Von der folkigen Akustik von „Rūnā“ bis zum perkussiven Pop von „Leikara Ljóð“ verweilt die Platte nie zu lange in einem Moment, ist zufrieden und bereit, zwischen verschiedenen musikalischen Zuständen zu springen, bevor sie völlig in völlig unerwartete Richtungen abdriftet. Auf „Alyosha“ trifft sie sogar auf ABBA-inspirierten Pop und pflegt eine der großartigsten Melodien der letzten Jahre, bevor sie in einer summenden Kakophonie aus Fliegen verklingt. „Blómi“ ist ein schwer zu fassendes Album, dessen Inspirationen vertraut und dennoch etwas verschleiert wirken, als wären sie in eine Decke aus späten Abendspaziergängen und frühmorgendlichem Nebel gehüllt. Gelegentlich tauchen vereinzelte Anflüge von Melancholie auf, bleiben jedoch meist am Rande, sodass sich Sundfør auf die tieferen Nuancen dieser emotionalen Abhandlungen konzentrieren kann. Mitunter fragil und flüchtig in der Erscheinung, doch aus einer dichten und komplizierten rhythmischen Perspektive entstanden, ist das Album ein faszinierendes Manifest einer Künstlerin, die sowohl ihre Bestrebungen als auch unsere Erwartungen gerne dekonstruiert. – Joshua Pickard

[Sturmhaube]

Mit ihrer Veröffentlichung im März 2023, olhar pra tr​á​s, brasilianische BandTerraplana Nutzen Sie klassische Vorlagen und streben Sie gleichzeitig einen freieren, vielseitigeren Sound an. Der Titelsong beginnt mit einem von My Bloody Valentine inspirierten Gitarrenpart, der abwechselnd messerscharf und sandpapierartig ist. Der Track geht dann in den typischen Shoegaze-Glanz über, mit einem traurigen Gesang, der hoch im Mix platziert ist. „Conversas“ ist ein langsameres, schmierigeres Lied mit übersteuerten, aber ausgehöhlten Gitarren im Kontrast zu kristallklarem Gesang. Auf halbem Weg dreht sich der Track zu einem schimmernden Klang, der an die bardischen Gestalten von Slowdive erinnert. Der melodische und klingende Gitarrenpart auf „memórias“ könnte von einem Cure-Track aus der Disintegration-Ära inspiriert sein. „Me Esquecer“ hingegen ist ein täuschend brutaler Sprung in Sadcore-Vibes, weitläufige Zwischenspiele, die in flaumige Wogen übergehen. Das nähere „Me Encontrar“, das zwischen Drones und Staccato-Riffs oszilliert, ist eine jenseitige Mischung aus Verzerrung, Abrissbirnen-Rhythmen und düsterem Gesang. olhar pra trá​s ist ein strategisch gestaltetes und transportierendes Projekt. Terraplana zollen den Vorbildern der Vergangenheit unverhohlen Tribut und schmieden gleichzeitig Überarbeitungen, die ausgesprochen zeitgemäß klingen. – Johannes Amen

[Selbst veröffentlicht]

Als Perkussionist und Produzent (ganz zu schweigen vom Vanishing Twin-Mitglied neben vielen anderen Gruppen)Valentina Magalettiverbunden mit dem immer GeheimnisvollenDas ist Sakin Bei einem Album mit explorativer, improvisierter Musik hätten wohl nur wenige gedacht, dass es eines der faszinierendsten und lohnendsten Experimental-Alben des Jahres 2023 sein würde. Doch Cupo ist genau das. Es schwankt zwischen freiem Folk, elektroakustischer Musik und sogar an der Grenze zum (sehr) abstrakten Jazz und verlangt vom Hörer viel – insbesondere Geduld –, zahlt sich aber zehnfach aus.

Oft eisig, immer verhalten, entfaltet es sich behutsam und doch frei vor Ihren Augen. Manchmal fühlt es sich beim Zuhören an, als wäre man in einer endlosen Wüste verloren, ein anderes Mal fühlt es sich praktisch jenseitig an, als ob man in einem eigensinnigen Schiff festgeschnallt wäre, im Weltraum treiben würde und immer weiter in unbekannte Regionen schweben würde, während die Realität um einen herum zerfällt. Es ist rätselhaft und kann sich manchmal sogar auf subtile Weise feindselig anfühlen, es scheint bei dem Gedanken, in Stücke gerissen zu werden, ein Kribbeln zu sein, und lehnt diese Vorstellung gänzlich ab, indem es berauschend distanziert und unergründlich bleibt. Ein Album, das einem mit der Zeit sicher ans Herz wachsen wird. Es lässt einen wunderbar in seiner eigenen Psyche stranden und bietet wenig Gnade, aber viel müdes Nachdenken. Es ist vielleicht kein Freund, aber auf jeden Fall ein stets faszinierender Begleiter, der Sie lieber in einem Feld düsterer, verblassender Feuer zurücklässt, als Sie einzuladen. Selten hat sich das Aussetzen so gut angehört. – Chase McMullen

Yaeji–Mit einem Hammer

[XL]

„With a Hammer“ ist der Klang von Frustration und Wut, gebündelt durch elektronische Experimente, Momente, die in der Zeit gefangen sind und für weitere Studien und Dekonstruktionen bereitgehalten werden.Yaeji verwendet sowohl englische als auch koreanische Dialekte, um die Hilflosigkeit und Wut der Pandemie zu dokumentieren, und findet gleichzeitig Wege, unterschiedliche Klänge für Worte auszutauschen, um diesem gewaltigen emotionalen Ungetüm von einem Album gerecht zu werden. Die Songs klingen teilweise fast feierlich und sind voller bissiger Wortspiele und einem musikalischen Einfallsreichtum, der es jedem Track ermöglicht, sich unter seiner eigenen Regie zu entwickeln, frei von äußeren Einflüssen oder Schüchternheit. Egal, ob er bei „Ready or Not“ unbeschwerte Melodien entwirrt oder sich bei „1 Thing to Smash“ mit Loraine James für eine kabelgebundene Dekonstruktion zusammenschließt – Yaeji versucht, diese Reihe synthetischer Fieberträume zu verwirklichen, um Erfahrungen zu verarbeiten, die die Realität um sich herum zu überwältigen drohen ihr.

Selten hat ein Album die Dichte seiner inneren und oft abstrakten lyrischen Mechanismen so gekonnt mit einer unvorhersehbaren Musikalität ausbalanciert, die den Hörer dazu herausfordert, zu versuchen, die Parameter dessen zu definieren, was er hört. „With a Hammer“ ist Yaejis Art, all die gleichzeitigen Gespräche zu bewältigen, die wir täglich mit uns selbst führen, mit all der Unsicherheit, dem Zögern, der Freude und dem Kummer, die in dieser wirbelnden Masse aus Elektronik und Stimmtheatralik verpackt sind. Das Album bietet einen Einblick in private Monologe und offene Erkenntnisse, gepaart mit summenden Synthesizern, Schichten von Live-Instrumenten und einer Mischung aus minimaler und opulenter Percussion, was zu einer ergreifenden Sammlung wechselnder Erzählungen und emotionaler Verstrickungen führt, die völlig frei von Genrebeschränkungen sind. – Joshua Pickard

Deine Ohren sind die einzigen–Wir kennen den Himmel

[Lahm-O]

Sternenklare Gespräche. Worte, die in den späten Frühlingsstunden zu den Glühwürmchen gesprochen wurden. Witz und Ermutigung aus jahrelanger Erfahrung. Diese Dinge leben und bieten sich im Werk der New Yorker Singer-Songwriterin Susannah Cutler an, einer Musikerin, die über Landschaften voller gähnender Saiten, herbstlicher akustischer Echos und in intimen Dialogen verbundene Stimmen herrscht. Ihr zweites Album wurde aufgenommen alsDeine Ohren sind die einzigen „We Know the Sky“ ist ein sanft dynamisches Meer aus geflüsterten Verletzlichkeiten, emotionaler Abrechnung und familiärer Nähe – die Art von Album, das fest im Herzen verankert ist und nicht mit irgendjemandem geteilt wird. Die Zupf- und Streichinstrumente des Openers „Dreamer“ erinnern an den sanft wiedergegebenen Jangle-Pop von Bands wie Orange Juice und The Go-Betweens, während der Titelsong in folkigere Atmosphären eintaucht, bei denen es weniger um Dynamik als vielmehr um innige Verbindung und Empathie geht.

Die Pedal Steel bei „Bad Habit“ und die Rat-a-tat-Percussion bei „Stained“ verleihen Cutlers musikalischer Zärtlichkeit zusätzliche Ebenen. Selbst wenn ihre Stimme ruhig ist und die Musik sich sanft in unseren Sinnen niederschlägt, haben ihre Worte immer noch ein Gewicht, ein Gefühl emotionaler Ernsthaftigkeit, wenn sie sich uns anvertraut. Sie dokumentiert den Kampf, uns aus dem Trauma zu befreien, über den erlittenen Schmerz hinauszuwachsen und ihn nicht bestimmen zu lassen, was die Zukunft bringt. Die Realität dieser Art der Heilung ist kompliziert. Und während die Launen des Daseins und der Identität sie lange davon abhielten, die Kraft, die sie besaß, voll auszuschöpfen, ermöglicht ihr ihre Arbeit hier, Licht darauf zu werfen, wie wir unseren Körper und unsere Persönlichkeit anpassen, um uns anzupassen und die Menschen um uns herum zu besänftigen – und durch uns Mit Know the Sky ist sie endlich in der Lage, die Trümmer vergangener Schmerzen zu überwinden und sich auf die Möglichkeiten ihres eigenen Potenzials zu konzentrieren. – Joshua Pickard

Zulu–Ein neues Morgen

[Flache Stelle]

Band aus Los AngelesZulu Umgang mit klanglichem Chaos. Ihr Debütalbum „A New Tomorrow“ ist eine Mischung aus klassischem Soul, Powerviolence, Punk und Jazz – es ist eine musikalische Chimäre, ein bösartiges und manchmal auch schönes Ding, das nicht davor zurückschreckt, einem den Hintern zu zeigen, wenn man seine Kraft unterschätzt oder Relevanz. Es ist ätzend und neigt dazu, sich durch parallele musikalische Realitäten zu verschieben, und hinterlässt eine Spur der Verwüstung und psychologischen Abrechnung. Von der klassisch geprägten Einleitung von „Africa“ bis zum Hardcore-Thrash von „For Sista Humphrey“ liefert die Band Manifeste von katastrophaler Dichte. „Shine Eternally“ erinnert an Soft-Rock-Tropen der 70er Jahre und erinnert mich an Ween in ihren weniger manischen Momenten, während „Lyfe Az a Shorty Shun B So Ruff“ im Zickzack zwischen Punk-Wildheit und Tamla-Grooves pendelt. Aber hier ist etwas Größeres am Werk als nur die Dekonstruktion der Legion von Einflüssen der Band.

Das Album ist vom Schmerz geprägt, wird aber nicht von ihm definiert – die Band schwelgt nicht im Elend. Wenn überhaupt, nutzt „A New Tomorrow“ seine Arena-Größe, um all die Dinge zu feiern, die Schwarze Menschen erreicht haben, obwohl die Welt ihre Bemühungen untergräbt. Es ist ein Aufruf zu den Waffen, eine fulminante Verschmelzung musikalischer, emotionaler und spiritueller Geschichten, die von Veränderung sprechen und davon, wie wir ineffektive soziale Strukturen einreißen können. Und in seinem flüchtigen rhythmischen Abriss und seiner apokalyptischen Veröffentlichung werden wir Zeuge der absoluten Missachtung der Genretreue durch die Band und der Schaffung eines Sounds, der nicht von der Last eines Jahrhunderts musikalischer Herkunft gefesselt ist. A New Tomorrow ist eine atemberaubende Erkundung von Resilienz, Generationentrauma und Identität und schlägt mit tektonischer Wucht zu, zerkratzt den Schutt, der die persönliche Wahrheit verschleiert, und legt die Notwendigkeit effektiver Wut offen. – Joshua Pickard

Hören Sie sich hier eine Spotify-Playlist unserer Lieblingstitel aus unseren Overlooked-Alben aus dem Jahr 2023 an.

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